Bus Ride Notes

Posts by Livia

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Sobre jornalismo de música, projeto editorial e leitores

Por Revista O Inimigo e Bus Ride Notes

Na semana passada, o site Hits Perdidos publicou um artigo bastante oportuno sobre o futuro do jornalismo cultural no pós-pandemia. Entre questões válidas, como a precarização das redações, a velocidade irrefreável das redes sociais, a avalanche semanal de lançamentos de singles e álbuns nas plataformas de streaming e o embate entre o “relevante” e o “novo”, dois pontos que julgamos fundamentais acabaram ficando de fora do debate: a importância de uma proposta editorial e da formação de público leitor.

O jornalismo musical não existe mais em grande escala no Brasil, isso é um fato. Hoje existem poucos sites que cobrem a cena de música independente, e cada um faz de sua forma. Isso acaba confundindo todo mundo envolvido na cadeia, tanto o leitor quanto o jornalista, e também os próprios artistas. É por isso que acreditamos que antes de se preocupar com algoritmos e plataformas de streaming, é fundamental pensar na mensagem que queremos passar e com quem queremos falar.

Será que é tão importante assim “dar conta” de tudo que sai às sextas-feiras? O próprio texto do Hits Perdidos observa que mesmo um leitor dedicado e interessado vai ouvir, se muito, 10% da lista com os 250 singles da semana. Então, vale perguntar: quem se interessa por esse tipo de informação?

Claro que o registro é importante, mas o registro pelo registro não pode ser o objetivo final. É preciso definir a linha editorial e construir uma base de leitores. Sites/blogs que cobrem “tudo” correm risco de cobrir “nada”. Em geral, esse tipo de abordagem acaba atraindo um público disperso e pontual, que não vai virar leitor frequente do site. Tampouco ajuda o trabalho do artista, sobretudo dos mais novos, a chegar a quem possa se interessar por ele. Ou seja, vira um depósito de conteúdo, uma vitrine sem comprador.

Basta olhar meia dúzia de posts do Bus Ride Notes ou da Revista O Inimigo para ver o tipo de música que cobrimos, que é basicamente o que gostamos de ouvir e o que nós entendemos. Consequentemente, nossos leitores são pessoas que também gostam e se interessam por esses estilos. Mesmo assim, praticamente todos os dias recebemos sugestões de pautas sobre artistas de estilos musicais que não têm nada a ver com o que cobrimos.

De que adianta publicar se o nosso público leitor não curte esse som? Não vai ter alcance nenhum. O tempo que o artista gasta mandando o material pra gente, poderia ser gasto mandando para um site que publica o estilo dele. Faz sentido você mandar teu disco de MPB pra um site de metal?

O problema que colocamos em debate aqui é esse modelo de “publicar tudo”, não o meio onde você publica o conteúdo (isso é outro problema para outra conversa). A gente está vendo que ele não funciona, mas ainda vamos continuar insistindo?

A lógica da produção de conteúdo não pode pautar o jornalismo cultural, são coisas diferentes. Há muito conteúdo de música e pouco jornalismo de música. Há sites que simplesmente não cobrem bandas nacionais, mas noticiam cada peido dos gringos como se fosse site de celebridades.

Quer escrever sobre cultura? Primeiro, pense no seu projeto editorial. Se você prefere ou manja mais de um estilo, ótimo – pesquise e foque nele. Quer falar de muita coisa? Beleza, você pode criar um público que acompanha as coisas mais diversas que você publica. Separa por temas, editorias, sei lá, mas SE ORGANIZE.

E a gente precisa, sim, de mais pessoas fazendo jornalismo musical. Tem bandas demais hoje (só na lista do Bus Ride Notes com bandas do interior de SP tem mais de 250 na ativa), e acreditamos que esse é um dos fatores que gerou essa bagunça.

A saída do jornalismo cultural é voltar a fazer jornalismo. Por jornalismo, entenda fazer entrevistas, reportagens, críticas, levantar discussões e dialogar com o leitor. Como? Ninguém sabe. O importante é manter a discussão viva, trocar ideias para construir saídas.

Seguimos em frente.


Resenha

Zero to Hero – breakwalls & buildbridges

Nós raramente publicamos algo perto da data de lançamento, um dos motivos é que publicamos uma vez por semana (tem 52 semanas num ano e centenas de lançamentos), outro motivo é que a gente se embanana tudo com prazos.

Por isso, e vários outros motivos, o formato webzine funciona melhor que o formato site de notícias pra nós. E por isso, também, as vezes a gente atrasa demais um assunto, mas ainda precisamos falar sobre ele. Hoje é outro desses dias.

Bom, primeiramente, pra falarmos de Zero to Hero, precisamos falar sobre emo, esse gênero musical um tanto confuso.

O emo dos anos 2000 que a gente conhece é só uma vertente. Na verdade o emo dos anos 2000 é bem estranho, uma vez vi uma comparação com o metal farofa (ou hair metal) dos anos 80 e achei que fazia todo o sentido: hair metal não é metal, é hard rock e o visual é muito importante. O emo 2000 não é emo, é pop punk e o visual também é muito importante.

Por que as pessoas chamavam todo um gênero musical pelo nome de outro gênero sonoramente muito diferente, nunca iremos saber.

Dito isso, o emo é bem distinto em cada década, nos anos 80 é mais hardcore, nos anos 90 é bem melódico e misturado com math rock, nos anos 2000 é o que todos conhecemos e a partir daí rolou um revival inspirado no som dos anos 90 com um toque de indie rock.

Se você for pesquisar sobre isso vai se divertir, tem bandas incríveis, incluindo muitas bandas brasileiras. Aliás, algumas delas estarão no terceiro volume da Discografia Caipirópolis.

Zero to Hero se encaixa em quase todas as categorias acima, e “breakwalls & buildbridges” (2019) faz parte da nova leva de sons inspirados no emo anos 90, ou “real emo” como alguns chamam.

O disco foi pensado pra cuidadosamente se encaixar num gênero musical, vemos isso antes mesmo de ouvir, em nomes de faixas como “emotional flatlining”, “being lost is part of getting there” e “only cowards skip interludes”.

As letras cantadas em inglês com vocal e aquele timbre de guitarra um tanto agudo caracterizam esse disco junto do som muito melódico em todas as faixas, das aceleradas às mais lentas.

O conteúdo das letras é diverso, algumas falam sobre relacionamentos.

“And I try so hard to do whats right for you and me but I’m always wrong, and being lost is part of getting there”.

Outras falam sobre saúde emocional, como “anxiety”, uma das minhas músicas preferidas do disco.

“It’s like she’s singing inside your head except she doesn’t know how it goes. She keeps humming out so loud, just gibberish, there’s no lyrics at all”.

E a gente associa emo à tristeza pela maneira como o emo 2000 foi comercializado, mas não é um gênero triste. É, sim, bem sentimental “sem vergonha de demonstrar”.

“I ask myself why my senses are so numb and in my core I know that I am so dull. Hard to feel love, most days I feel nothing at all, the only emotion I’m in touch with is sadness after all”.

A banda de Taubaté, SP, formada por Pedro Cursino (baixo, voz), Danilo Camargo (guitarra, voz) e Nicolas Brown (bateria) lançou o single “queen of ashes” em fevereiro de 2021 e recentemente participaram do EP ”Isolation” da Decline com um feat. na música “Summer 2”.

Ouça Zero to Hero no Bandcamp e nas plataformas de stream.


Resenha

sonhos tomam conta – wierd

“wierd” é o primeiro album de sonhos tomam conta, projeto solo de Lua Viana.

Inicialmente lançado de forma independente, em abril de 2021 ele foi lançado nas plataformas digitais pelo Selo Preto, SP, e também teve uma tiragem limitada em fita cassete pela Longinus Recordings, EUA.

“Entre dissociações e fugas da realidade, ‘wierd’ é um album sobre ciclos. Uma tentativa de canalizar todas as angústias e feridas em um grito de desespero pela própria vida”, diz Lua.

Assim como os dois EPs anteriores, “eu queria ser qualquer outra pessoa” (2020) e “pesadelos” (2020), o disco foi todo escrito, arranjado, gravado, mixado e masterizado por Lua em seu quarto. A arte da capa foi feita por Kaylan Leite.

O som de sonhos tomam conta é influenciado por post-hardcore, shoegaze e blackgaze, e caso você nunca tenha ouvido falar desses sub-gêneros, é um som focado em distorções de guitarra que tenta preencher o ambiente e muitas vezes parece ter sido gravado em um enorme cômodo vazio, assim como em “wierd”. Slowdive, Envy e Deafheaven são alguns nomes que acredito que ajudam a ilustrar.

O disco foi composto no último ano e é desnecessário dizer que esse tempo tem sido emocionalmente brutal pra maioria das pessoas.

“Presa dentro de casa, isolada das pessoas e reabsorta nos próprios pensamentos, em muitos momentos quis acreditar que nada do que estava ao meu redor era real. E, perdida nesses pensamentos, me descolei de meu próprio corpo para flutuar no vazio da minha cabeça, onde meus sentidos não poderiam mais chegar até mim”.

Mas, infelizmente, além disso Lua passou por um período de depressão e com letras em inglês e em português tenta traduzir todos esses sentimentos.

“Esses sonhos vão me maltratar, mas ainda é melhor do que acordar e olhar pra cama vazia, sem rastros de amor que nem eu posso me dar”.

As letras do disco expressam esses sentimentos de cansaço, frustração e angústia que muitas vezes nem conseguimos descrever. Mas ao mesmo tempo elas encontram uma força pra seguir em frente, afinal a vida é feita de ciclos.

“Seus sonhos são a prova de que algo melhor pode vir. Você ainda pode sentir, portanto, ainda existe”.

“Para todas as pessoas que, como eu, se perguntam se vão chegar ao final desse ano vivas, se lembrem que ainda são humanas. Nosso corpo pode ser gelado, mas nosso sangue ainda é quente… Estamos vivos, e enquanto existirmos, vamos sentir tristeza, ódio, felicidade, amor, desespero. E essa é a beleza da nossa humanidade”, conclui Lua.

“wierd” está disponível no Bandcamp e nas redes de stream.


Entrevista

Umbilichaos – To Become Unreal

Umbilichaos é um projeto solo de Anna C. Chaos, iniciado em 2007, a banda de doom, post-hardcore, sludge tem 11 lançamentos entre discos, EPs e splits.

Em abril foi lançado o single “To Become Unreal” do trabalho homônimo com duas faixas de 25 minutos no total, agendado para junho.

Conversamos com Anna sobre a banda, seu processo de composição, como o “faça você mesmo” nem sempre é uma escolha, como nossa cena libertária não é bem assim e, claro, sobre “To Become Unreal”, numa entrevista que você lê a seguir:

Você pode se apresentar, pra quem não conhece?

Meu nome é Anna Claudia, vulgo Anna C. Chaos, toco guitarra e canto na Umbilichaos e Ismália, ambos solo. Também programo drum-machines, efeitos e ruídos. Sou feminista interseccional, mulher trans e lésbica.

Nós que ouvimos hardcore e metal underground quando vemos o nome Umbilichaos, se não conhecemos, temos a sensação de “esse nome é familiar” e só de olhar sua discografia, vemos que a banda é muito ativa. Você pode falar sobre isso? Ser um projeto solo tem alguma influência?

Muitas pessoas dizem isso, rsrs. Tocar e compor é minha grande paixão, eu passo a maior parte do meu tempo desperta pensando em música e acho que sou bem produtiva musicalmente. Quando lancei o primeiro disco, já tinha os próximos três prontos para gravar, e sigo nesse ritmo. Tudo que é lançado já tem alguns anos de idade e maturação.

Acho que ser solo tem alguma influência, sim. A logística é mais ágil do que depender de mais pessoas com rotinas diferentes, eu posso encaixar os processos no tempo que tenho, o que já não é possível com uma banda. Mas pode também ser um empecilho, pois não há outras ideias para somar, para apresentar saídas de labirintos criativos. E o processo de criação dos arranjos vai passando por etapas, ao invés de uma jam de banda, em que já pode surgir uma estrutura semi-definida.

Além de eu ser obcecada com detalhes, especialmente nas partes de bateria. Chego a montar uma batida com 20 variações diferentes, para gravar e decidir qual é a que gosto.

Outro aspecto disso é que é você mesma quem faz toda a parte técnica, gravação, mix, master e inclusive a arte dos primeiros discos. Como surgiu a escolha de fazer tudo?

Não foi bem uma escolha. Como tocar solo, foi um momento de “faça, ou desista.” Música é uma coisa cara, a maioria dos equipamentos vêm de fora, e nossa moeda não vale nada há algum tempo. O que inclusive, acredito ser um dos fatores que diminui o interesse das pessoas pelo rock no geral: não ter acesso a essas coisas.

Meu único disco gravado em estúdio, foi “Entrails” (2009), o primeiro. Quem cuidou disso foi o Bernardo Pacheco, guitarrista de duas das minhas bandas favoritas, Elma e Are You God?. Com o tempo fui adquirindo equipamentos mais simples, softwares gratuitos, perdendo o medo de computadores, fazendo experimentos, e comecei a cuidar dessa parte técnica também. Tem limitações, mas eu acredito firmemente em tentar tirar o melhor do que você tem em mãos. E fui melhorando com o tempo, inclusive em aspectos estruturais, graças a algumas coisinhas que trouxe quando toquei na Europa.

Sobre as artes, eu criei o logo e todos os layouts. Fiz as artes da trilogia “Entrails” (últimos desenhos da minha vida, depois abandonei), e a foto do “Samsara” (2013) é minha também. Mas a diagramação do segundo e terceiro, foi da queridíssima Carol Doro (Sisters Mindtrap e dona da Duende dos Cabos), e do “Samsara”, pelo Ricardo Faller (Água Pesada).

Do quinto ao oitavo, roubei de filmes que gosto e diagramei eu mesma (softwares gratuitos, nunca esqueçam deles). “Belong to Nothing” (2018), colaboração com o Kovtun, contava com arte do Marcos Varanelli.

Todos a partir daí, contaram com fotos de um dos meus baixistas favoritos, de uma das minhas bandas favoritas, Carlos Gomez (Vincebuz), encerrando esta parceria neste novo disco.

Como é o seu processo de composição?

Sempre começa com a guitarra, mas nem sempre com ela em mãos. Nos primeiros sete anos, sempre tinha de parar para tocar mesmo e deixar as coisas acontecerem. Com riffs definidos, eu começava a arranjar e programar a bateria.

Há alguns anos eu comecei a compor mentalmente, com ideias surgindo espontaneamente. Com as partes de guitarra meio definidas mentalmente, arranjo e programo a bateria, e duas ou três vezes por ano eu paro uma ou duas semanas para materializar as coisas.

Em ambos os casos, a partir da definição da guitarra base e bateria, componho harmonias e/ou experimento com acordes. Por último os vocais e talvez outros sons adicionais (samples, ruídos).

As letras vêm de poemas que fui escrevendo ao longo dos anos. E, claro, muito do processo se deve a escutar música. Cada disco meu fala de descobertas e obsessões musicais de períodos particulares.

Você pode falar um pouco sobre “To Become Unreal”? Uma das faixas acabou de ser lançada como single, né?

Sim, em 15 de abril saiu um single. Agora em 17 de junho, sai o disco inteiro, com duas faixas de 25 minutos no total.

A maior parte dos meus discos é uma única música dividida em várias faixas. A ideia sempre foi proporcionar uma experiência imersiva, uma jornada musical, ao invés das fórmulas tradicionais.

“To Become Unreal” é a quarta parte da “Tetralogia da Solidão” e uma progressão natural em termos de composição. É lento, grave, psicodélico, intenso e agressivo. Explora dissonâncias e texturas, com riffs e acordes estendidos e angulares. Tempos e dinâmicas estranhos, sempre tentando forçar mais a complexidade das programações de drum-machine. Elementos não muito convencionais como tablas e guitarra slide. Explorações com ruídos, efeitos e intervalos.

Nos quatro primeiros discos, havia um foco em harmonias de duas ou três guitarras fazendo coisas diferentes. Depois, a adição de uma cacofonia de ruídos e samples, do quinto ao oitavo disco.

A tetralogia atual foca em ser mais concisa, explorando colorações diferentes em acordes não convencionais, mais regrada no uso dos elementos citados anteriormente, tentando colocar mais feiura nas partes melódicas, e alguma beleza e harmonia nas dissonantes.

Liricamente, continua com muita influência de Jung, Joseph Campbell, João Cabral de Mello Neto e Vidas Secas. Tem muito dessa ideia de aridez desértica, desolação e isolamento.

Você já fez turnês fora do país, você vê alguma diferença marcante entre as cenas daqui e de fora?

Algumas, sim. Eu fiz turnê na Europa. O que posso dizer é que mesmo no menor circuito do rock independente é mais fácil encontrar estrutura de equipamentos com alguma qualidade.

Os países são pequenos, em 15 horas você atravessa a Alemanha de leste a oeste, de transporte coletivo. E há duas, três cidades para tocar em cada país, no mínimo. A logística é mais fácil, então. Também não rolou o “tocar de graça para divulgar seu trabalho”.

O público é um pouco mais entusiasta, tem mais interesse em comprar merchs das atrações e tem uma relação bem respeitosa com a arte. Eles agradecem entre as músicas. Até comentei sobre com organizadores de um festival em que toquei na Bélgica e eles me disseram que agradecem porque estamos dando algo pra eles.

Claro, acontecem problemas muito familiares também: organizadores que divulgam mal os eventos, ou não os planejam muito bem, operadores de som que não conhecem os equipamentos, passagens de som precárias ou inexistentes.

Mas as bebidas são melhores. Eu praticamente não bebo mais, mas tive que provar algumas vodcas russas e polonesas.

E tem a “Fuck Parade”, uma parada LGBT dos punks, em Berlim, onde quero muito voltar. Rsrs.

Você disse em entrevista ao site Rock em Síntese* que ficou um tempo afastada de shows, tanto tocando quanto assistindo, após sua transição. Isso foi devido a algo específico que você presenciou ou foi uma fase? E como estão as coisas nesse aspecto hoje?

Certamente, devido a muitos “algo” que presenciei. Não na cena em si, mas na sociedade como um todo. A gente vive numa cultura muito violenta e intolerante, que odeia mulheres, que odeia pessoas trans, entre muitos outros ódios. Então, acaba rolando essa inconsistência entre o discurso libertário do metal e hardcore, do rock em geral, e as práticas sociais que interiorizamos como seres pertencentes a uma sociedade opressora.

Não teve uma mulher ainda para me dizer que se sente completamente respeitada na cena, que nunca se sentiu subestimada, seja curtindo um som, seja fazendo música. Já ouvi falas de homens cis, como “banda de/com mulher sempre chama mais atenção”, num discurso super fetichizador e condescendente. E estou falando de mulheres cis, pois mulheres trans no rock brasileiro, quase nem conheço.

De cabeça, sei da Foxx Salema e da Karine Profana (Mau Sangue, Messias Empalado). Homens trans e pessoas transmasculinas, nem sei da existência nesse rolê. Se alguém souber, me indique. Rsrs.

Karine foi inclusive a primeira travesti que encontrei num show de metal/HC, show da Armagedom, cerca de um ano antes de eu transicionar, talvez. Na época acho que eu já sabia da Laura Jane Grace (Against Me!), Mina Capputo (Life of Agony) e Marissa Martinez, mas conhecer outra mulher trans pessoalmente, nesse espaço, fez perceber que era possível e real. Então, fica minha homenagem pra Karine, pois nunca disse isso a ela. Rsrs.

Mas, voltando à pergunta, apesar do discurso, nossa cena musical não tem um histórico de acolher todas as diferenças. Ainda é um espaço muito cis-hétero, com alguma abertura para mulheres cis (de preferência vendo a banda do namorado). Então, população LGBT no geral, não tá nem aí pro rock. Pra que adentrar mais um espaço de violência? A gente já aguenta tanta merda nos espaços que temos que estar para ter uma vida, que não sobra vontade ou energia para gastar com opcionais, sabe? E minha ausência veio um pouco disso, de não acreditar que seria bem-vinda nesses espaços e me poupar.

E mais uma vez, não por algo direcionado a mim, mas por tudo que observei dentro e fora da cena. Uns dez anos atrás, por exemplo, dentro do rock paulista usavam ainda o termo “pederasta” para se referir a homens gays. Os emos eram perseguidos por serem “viados”, porque todo som que o roqueiro não curte é viadagem.

Parece inimaginável ser uma pessoa trans e estar neste meio, diante dessas coisas. E também havia muita coisa pessoal acontecendo, eu não precisava de mais problemas, rsrs. Passadas as tempestades, e sendo teimosa, comecei a frequentar os shows, a ser convidada e me convidar para tocar. Posso dizer que me envolvo nos rolês mais críticos e/ou feministas, então não tenho tido muitos problemas na prática. Acredito que é um pouco de sorte também. E sou branca, isso já traz outro peso.

Mas nossa cena ainda tem muito o que aprender e crescer no sentido de acolher e proteger as diferenças, de proporcionar espaços seguros para todas as pessoas e formar verdadeiras comunidades. Perdemos muito a relevância em práxis libertária, acho. Por isso, em termos de Brasil, o rock está onde está. Mas acho que temos ainda potencial para ser mais do que um clube que só acolhe discussão sobre tatuagem, maconha e anarquia, e acha que o único inimigo é o neonazi.

Últimas considerações? Algum recado?

Quero agradecer pelo interesse e pelas perguntas. Espero que continuemos sãs e salvas para reconstruir o mundo no pós-apocalipse e guilhotinar o torturador do Planalto.

Se cuidem e se protejam, e que possamos nos encontrar em breve para fazer um som e criar espaços seguros e acolhedores para as pessoas que não se encaixam no patriarcado-classista-racista-LGBTfóbico. E não deixem de ouvir “To Become Unreal”!

* Link da entrevista para o Rock em Síntese.

Você pode ouvir Umbilichaos no Bandcamp e nas redes de stream.


Entrevista / Selo

Entrevista: Mercúrio Música

Mercúrio Música é um selo que faz parte da produtora cultural Mercúrio, de Fortaleza, CE.
Fundado em 2018, o selo conta com bandas e artistas do experimentalismo.

Convidamos Allan Dias, um dos fundadores, pra uma conversa que você lê a seguir.

Não deixe de ouvir a playlist de Allan com artistas do selo e mais!

Pra começar, vocês podem se apresentar?

Meu nome é Allan Dias. Sou músico na banda cearense Maquinas, que fundei junto com meu amigo Roberto Borges, e estou na ativa com ela desde 2013.

Também sou um dos responsáveis pelo selo Mercúrio Música, dedicado a trazer alguns dos ótimos artistas de Fortaleza e do Ceará, mas com sonoridades que acreditamos ter um pé mais no experimentalismo e propostas artísticas mais únicas.

Como surgiu a Mercúrio Música?

Vale dizer que o selo Mercúrio Música é apenas um braço da produtora cearense Mercúrio, que já existe na cidade tempos antes do próprio selo.

Eu e meu amigo e parceiro Lenildo Gomes montamos o selo depois de vermos que a parceria de produção e consultoria com a banda Maquinas havia tido um ótimo sucesso: conseguimos trabalhar juntos para escrever bons editais de financiamento de turnês e outras questões da banda, além de a consultoria nos ajudar a sermos mais profissionais com os processos burocráticos que há por trás de uma banda.

Depois de um tempo vimos que poderíamos aplicar essa parceria com outras bandas que vimos que tinham potencial, mas poderiam precisar de ajuda da mesma forma que o Maquinas precisou. E assim criamos o selo Mercúrio Música em 2018.

Esse ano, infelizmente, o Lenildo teve que deixar o trabalho no selo por assumir um cargo que iria lhe tomar muito tempo e não teria como se dedicar ao selo, ficando atualmente eu e a Ravena Monte, amiga e parceria de anos para continuarmos os trabalhos da Mercúrio Música.

Pensando no mundo antes do covid, como é a cena em Fortaleza?

Eu creio que o cenário musical underground de Fortaleza, pelo menos nos anos recentes, nunca foi marcado por um determinado estilo de som. É uma cidade muito plural, com diversos movimentos de cenas musicais acontecendo ao longo dos anos.

A grande questão é que, por algum motivo, muitas bandas e artistas não conseguem sequer uma projeção modesta no país e até mesmo na própria cidade e eu acho isso uma pena, pois realmente acredito que Fortaleza talvez esteja fazendo o melhor da música atual no cenário alternativo.

Quando você vê que de uns cinco anos para cá Fortaleza viu artistas como Mateus Fazeno Rock, Clau Aniz, Mumutante, Glamourings, Damn Youth, Jack The Joker, Arquelano Jangada Pirata, Dronedeus e outros nomes ganhando destaque nacionalmente, você também nota que só esses nomes passam por diversos estilos musicais, do jazz ao thrash metal.

Existem diversas bolhas musicais em Fortaleza, umas com mais presença que outras, mas no geral, é como se estivessem disputando os mesmos espaços até então.

Com a pandemia fica difícil olhar para o amanhã, mas vejo que muito dos artistas estão ativos e criando, o que me deixa muito empolgado para ver o que vai surgir de música nova aqui na cidade.

O mesmo não se pode dizer dos espaços de shows que estão aos poucos se acabando em dívidas e tendo que fechar as portas. Só o pós-pandemia pode dizer como vamos nos articular nos poucos espaços que restarão na cidade.

Vocês podem falar sobre as bandas do selo num geral? Como foi se formando o cast ou o que faz uma banda entrar pra Mercúrio?

Nós basicamente tentamos trabalhar com algumas bandas que víamos que tinham potencial, possuíam uma sonoridade com piso no experimentalismo e acreditávamos que poderíamos contribuir para melhor promover o trabalho desses artistas.

Nosso primeiro álbum lançado foi o segundo disco do grupo instrumental Astronauta Marinho, “Perspecta” (2018), até hoje um dos meus álbuns favoritos de bandas de Fortaleza.

Com o tempo fomos nos aliando a outros artistas que estavam surgindo e lançamos o primeiro álbum da Clau Aniz, “Filha de Mil Mulheres”, que foi um destaque internacional impressionante, saindo inclusive na lista de melhores álbuns de música experimental da PopMatters de 2018.

A partir daí fomos trabalhando com algumas bandas ocasionalmente, atualmente nosso cast é composto por Maquinas, Clau Aniz, Vacilant, Dronedeus, Viramundo, OUSE e Jangada Pirata.

Também já lançamentos materiais de bandas como Terceiro Olho de Marte, Indigo Mood, O Jardim das Horas, Missjane, George Belasco & O Cão Andaluz, Dani de Azevedo, entre outros.

Vocês não trabalham só com lançamentos, né? Vocês podem falar sobre outros projetos do selo?

Como a Mercúrio Música é apenas uma parte da produtora, temos muitos outros projetos que realizamos fora do escopo musical. Atualmente a Mercúrio está em parceria com outras produtoras da cidade realizando diversos projetos em várias áreas culturais, nas quais vocês conseguem acompanhar via redes sociais da Mercúrio.

Na área musical, também realizamos o festival anual Barulhinho, composto por bandas do selo e outros artistas locais e nacionais. Com a pandemia, obviamente, o festival se encontra parado, mas temos muitas ideias que queremos aplicar no futuro para fazer a marca continuar a crescer.

Realizamos também a “Sessão Mercúrio”, um registro audiovisual ao vivo com alguns dos artistas do selo e que se encontram em nossa página do YouTube.

Já lançamos sessões das bandas Vacilant, Clau Aniz e Dronedeus, além de também atuarmos no suporte da sessão ao vivo de Maquinas, “O Cão de Toda Noite Ao Vivo”, lançado no começo desse ano via Edital Aldir Blanc.

Últimas considerações? Algum recado?

Convido todos a escutarem não apenas a música que lançamos na Mercúrio Música, mas descobrir os diversos artistas e bandas que o Ceará tem a oferecer. Somos um estado com muita música boa para se descobrir e acredito que teremos um maior reconhecimento no futuro.

Espero muito que esses tempos de pandemia passem logo, pois temos muitos planos e projetos grandes que queremos realizar com os artistas da cidade. Até lá, seguimos com os lançamentos do selo e pensando em ideias a mil!

Obrigado a todos pelo espaço!

Ouça a playlist no Deezer, Spotify e não deixe de acompanhar no Bandcamp.


Entrevista

Penúria Zero – Não Me Representa

Penúria Zero é uma banda de punk-hardcore do DF, hoje composta por Tuttis (vocal), Sopão (guitarra), Biscoito (bateria) e Ismael (baixo).

A banda tem um disco lançado, “Manipulado” (2017), e em Outubro de 2020 eles lançaram seu novo EP “Não Me Representa”.

Abaixo você lê nossa entrevista com eles, onde você conhece a banda, o EP “Não Me Representa”, a cena do DF e mais:

Vocês podem falar um pouco sobre a banda pra quem não conhece?

Olá, primeiramente, muito obrigada pelo convite.
Penúria Zero é uma banda de punk hardcore que tem o intuito de falar do nosso cotidiano e de situações do nosso país. As vezes com músicas engraçadas, as vezes com ar de deboche e outras vezes só pagação de sapo mesmo.

Foi formada em 2005 na cidade de Luziânia, GO, porém só começamos a desenrolar o som mesmo em 2011 e desde então não paramos mais.
Hoje a banda é: eu (Tuttis, vocal), Sopão (guitarra), Biscoito (bateria) e Ismael (baixo).

Uma das primeiras coisas que percebemos ouvindo Penúria Zero são algumas letras engraçadas. Deboche é quase pré-requisito no punk-hc, mas muita gente diz que precisa ser sério. Vocês podem falar sobre isso?

Nós brasileiros somos um povo que consegue fazer graça com a nossa própria desgraça, a prova disso são os milhares de memes na internet.

Concordo que o punk deveria e é para ser sério, porém muito mais do que música, o punk é a atitude. Eu creio que a banda tem essa atitude de poder falar com um pouco mais de leveza sobre a nossa situação atual.

Vocês podem falar um pouco sobre cada música do “Não Me Representa”?

Tratamos muito as falas do imundo do presidente na música “Não Me Representa” e como ele ganhou uma eleição na música “Fake News”.

Já “Cidade do Caos” fala um pouco sobre a cidade de Ceilândia e de sonhos de nordestinos que saem da sua cidade e estado natal para tentar uma vida melhor. Foi uma música feita pelo o guitarrista Sopão, que também é nordestino.

E como foi o processo de gravação? Vocês tiveram que fazer alguma adaptação devido à pandemia ou ele foi feito antes?

Gravamos antes da pandemia, porém lançamos na pandemia mesmo porque sabíamos que ia demorar pra poder lançar em shows…

E o clipe da música “Não Me Representa”? Ele foi gravado e lançado no segundo semestre de 2020, né?

Sim. Como sempre, fazemos as coisas por conta própria. Gravamos um pouco na lan house onde o biscoito trabalhava e as minhas partes gravei em casa mesmo. E o Sopão, que sempre fez essa parte de áudio e vídeo, editou em casa também.

Pensando no mundo antes do Covid, como é a cena no DF?

Ahhh saudades, inclusive, de ir aos shows.
Creio que a cena daqui não é muito diferente de outros lugares: produtores fazendo tudo na raça, sem apoio, bandas fazendo seu próprio corre para lançar material, tocar e etc… Saudades dos bons tempos!

Inclusive, Tuttis é organizadora do “Sinta a Liga”, né? Vocês podem falar sobre o festival?

Sim, esse festival é meu amor! rsrs
Ele foi criado com intuito de divulgar e enaltecer as bandas com mulheres na cena, só pode tocar banda que tem ao menos uma mina na formação.

Infelizmente o espaço para nós mulheres é pequeno, então pra mim é importante ter um show dedicado só a nós.

Nisso já conseguimos trazer várias bandas de fora pro festival, como Escrota (SP), Manger Cadavre (SP), Trash no Star (RJ), Benária (RJ), Klitores Kaos (PA), Bertha Lutz (MG), fora as bandas do DF.
Enfim, mais uma saudade: produzir esse festival que amo tanto!

Últimas considerações? Algum recado?

Se cuidem, usem máscara, não subestimem o vírus! E uma hora esse pesadelo todo passa.

“Não Me Representa” está disponível nas redes de stream, e não deixe de acessar o canal do Youtube da banda pra assistir os clipes.


Entrevista

Reles Córtex – Operações Psicológicas

Reles Córtex é uma banda de punk acústico, anti-folk, criada em São José do Rio Preto em 2015 por Matheus Moura.

Em fevereiro de 2021 ele lançou seu segundo disco, “Operações Psicológicas”.

É meio difícil falar sobre folk punk, pois é um gênero bem direto, tanto no som quanto nas letras.

É claro que poderíamos falar sobre elas, mas fomos direto à fonte e convidamos Matheus pra conversar sobre o novo disco e mais. Confira:

Você pode se apresentar pra quem não conhece?

Meu nome é Matheus Moura (conhecido também por Mourarc), 29 anos, natural de São José do Rio Preto, SP, doutorando em ciências sociais. A Reles Córtex é um projeto de punk rock acústico iniciado por mim em 2015.

Como surgiu Reles Córtex?

Reles Córtex surgiu da contínua e incansável propriedade criativa de composição musical.
Desde pelo menos 2006 eu já esboçava diversas canções, bem toscas na época, gravava num toca-mp3 e ficava insistindo para os amigos escutarem

Nos anos seguintes participei de algumas bandas de punk e hardcore, mas que não duraram muito, por diversos motivos. Entre 2009 e 2015 foram anos meio estagnados na música pra mim.

No interior de SP é bastante difícil encontrar uma galera séria pra fazer um punk rock mais cabeça. Nesses anos todos as tentativas foram frustradas, mas as composições continuavam a vir, então resolvi colocar o projeto pra funcionar sozinho, mas sem a guitarra distorcida.

Abandonei todas as composições antigas e me concentrei em letras mais sérias, mais poéticas e filosóficas. Ainda que talvez não tenha conseguido cumprir esse objetivo muito bem (risos).

O nome “Reles Córtex” veio antes de eu ter qualquer coisa pronta. Era uma tentativa de dizer “pra que um cérebro se na maior parte do tempo a gente não o usa satisfatoriamente pra refletir?”.

Em 2015 eu tinha o nome, em 2016 eu tinha duas demos, que trabalhei sem noção de gravação nenhuma em um estúdio da cidade. Foi aí que resolvi gravar as músicas eu mesmo. Comprei uma aparelhagem mínima, um condensador, e comecei as gravações fuçando num programa de mixagem gratuito.

Em 2018 saiu o “Causas Vazias” no pior do “faça você mesmo”.

Quais são algumas das suas influências?

Minhas bandas de coração são Anti-Flag e Bad Religion. Não é coincidência esse projeto ser um punk acústico, os vocalistas dessas duas bandas, Justin Sane e Greg Graffin, possuem projetos acústicos paralelos. Minha grande inspiração vem daí.

Recentemente descobri também um cara chamado Pat The Bunny, que faz um anti-folk muito semelhante ao meu. Talvez seja essa minha mais nova fonte motivadora.

“Operações Psicológicas” é mais direto, digamos assim, que “Causas Vazias”. Ele tem menos instrumentos, é menos melódico… Como foi o processo de composição?

Esse segundo álbum traz mais agressividade tanto nas letras quanto na pegada. Eu comecei a compô-lo durante as eleições de 2018 (logo após o lançamento do “Causas Vazias”), e bom, não é preciso dizer muito mais…

Foi uma forma de colocar pra fora o que toda pessoa sensata e sensível estava sentindo naquele momento (esse sentimento talvez tenha se intensificado até o dia de hoje).

Das 11 faixas inéditas, somente duas foram feitas posteriormente às eleições, “Sua Imagem” e “Rio Preto”, essa última é uma versão de uma música que compus com a Refluxo Mental, na qual eu era vocalista até o começo desse ano.

Comparado ao álbum anterior esse está mais próximo do punk, com seu teor político e músicas mais rápidas e diretas, do que o primeiro.

Ele foi todo gravado em home studio. Como foi esse processo? Você costuma gravar em casa ou isso foi devido a pandemia?

Como mencionei anteriormente, desde o começo eu fiz músicas em home studio (à parte daquela experiência não muito feliz com duas demos).

Me sinto mais livre fazendo eu mesmo as gravações. O resultado não tem a mesma qualidade do estúdio, mas eu ainda prefiro, me sinto mais à vontade.

Também porque eu não tenho muita grana, e a música pra mim é um hobby, então gravar em estúdio não é muito atrativo.

E a parte de produção, mix e master? Foi tudo feito por você?

Durante a experiência com a Refluxo Mental eu aprendi bastante com o Lucas Dias, ex-guitarrista, que mixou e masterizou o álbum “Socialização das Perdas”.

Acho que é nítida a diferença entre “Causas Vazias” e “Operações Psicológicas”. Tudo que aprendi com esse brother eu consegui usar pra aprimorar as minhas gravações caseiras.

“Trágica Comédia” foi inspirada pelas eleições de 2018, você pode falar mais sobre essa música?

Era pra esse música chamar “Caquistocracia”, mas aí eu iria estar admitindo que acompanho o Foro de Teresina (risos). Não há problema em admitir isso, pelo contrário, mas não iria soar muito criativo, o termo já virou quase patente deles.

A letra representa essa comédia da vida real que estamos vivendo, em que o bobo da corte assumiu o trono, e dança e sapateia pra somente seu público aplaudir. Está tudo escancarado, não há necessidade nem mais de representar papéis. Quem enxerga, sofre, quem não enxerga ou se beneficia de alguma forma, aplaude. E assim seguimos…

Últimas considerações? Algum recado?

Gostaria de agradecer ao Bus Ride Notes pela oportunidade de responder a essa entrevista. E aproveitar também para agradecer a todos aqueles que me apoiam nesse projeto.

Novas composições estão por vir. E não vejo a hora de poder estar por aí fazendo apresentações desses trabalhos. Sigam-me nas redes! Abraços!

“Operações Psicológicas” está disponível no Bandcamp e nas redes de stream.


Entrevista

Anti-Corpos – We Keep On Living

Creio que todo mundo que acompanha o Bus Ride Notes conhece Anti-Corpos, banda de São Paulo formada em 2002, hoje em Berlin e composta por Adriessa Oliveira (guitarra), Helena Krausz (bateria), Marina Pandelo (baixo) e Rebeca Domiciano (vocal).

Anti-Corpos foi uma das primeiras bandas de queercore (se você nunca ouviu falar de queercore, leia aqui nosso rascunho sobre) do Brasil, numa época onde praticamente ninguém, nem mesmo a banda, usava o termo.

Em Outubro de 2020 elas lançaram seu novo EP, “We Keep On Living”, cujas músicas foram feitas e gravadas em momentos diferentes, inclusive com diferentes membros na banda.

Conversamos com Anti-Corpos sobre “We Keep On Living”, a história da banda e mais. Confira:

Primeiramente, como estão nessa pandemia? Todo mundo bem? Como andam as coisas aí na Alemanha?

Adriessa: Olá! Bom, a pandemia na Alemanha estava bem controlada até o final das férias de verão, quando os casos começaram a crescer assustadoramente e agora está novamente num lockdown mais severo.
Junta isso com temperaturas negativas e dias que escurecem as 16h, bicho, é tenso! Mas estamos bem e tentando passar por cima de tudo isso.

Vocês podem falar um pouco sobre a banda pra quem não conhece?

Adriessa: Anti-Corpos é uma banda queer feminista que faz som rápido e pesado que flerta com o hardcore, punk e metal, aquele famoso crossover.

Helena: A banda existe desde 2002 e ao longo de todo esse tempo tocamos em diferentes cidades brasileiras e vários países da Europa e América do Sul.

Desde 2015 a banda teve várias mudanças, alguns integrantes se mudaram pra Alemanha e formaram uma nova banda. Vocês podem falar sobre isso? E a escolha de continuar com Anti-Corpos?

Adriessa: A banda em toda a sua história teve muitas mudanças, essa é a real.
Em 2015 quando me mudei pra Alemanha e teoricamente a banda tinha acabado porque Rebeca tinha voltado para o Brasil, sabia que a primeira coisa que eu precisava era de uma banda nova, aí conheci Andrzej e Andrea e montamos o Eat My Fear, que na sua formação original tinha o Dirk no baixo. Após três anos ele deixou a banda e a Helena (baterista da Anti-Corpos) assumiu o baixo do Eat My Fear.

Mas logo em 2016, quando Rebeca também se mudou pra Berlin e estávamos reunides novamente, resolvemos dar continuidade e escalamos a Marina pro baixo, que já vinha nos acompanhando por alguns shows que fizemos na Europa.

Acho que o Anti-Corpos sempre vai existir enquanto estivermos na pilha de tocar e sempre nos adaptamos para que isso continue acontecendo.

As músicas do “We Keep On Living” foram feitas durante todas essas mudanças, né? Vocês podem falar um pouco sobre cada faixa?

Adriessa: Esse EP é uma junção de quatro sons gravados em momentos diferentes. Alguns comigo e outros com Re no vocal.
Pouco antes de Rebeca deixar a banda, em 2017 (Rebeca já está de volta hehe), tínhamos recebido um convite para gravar um som para um tributo ao Bulimia e junto com esse som do Bulimia gravamos “Herança” e “Brincando de Igualdade”.

Em 2019, quando eu assumi os vocais, gravamos “Borders of Fear” e “Keep On”. Eu escrevi “Borders of Fear” em uma das viagens que fiz para ensaiar com uma banda que toco na Suécia, que tem uma das fronteiras mais brutais que já passei pela Europa. Sempre que eu atravessava me dava pânico, porque sabia que ia ser controlada de forma agressiva por causa do meu passaporte brasileiro. Pessoas com passaportes de origem africanas ou árabes então… era muito sinistro.

“Keep On” é sobre continuar dia após dia a viver nesse mundo caótico que te cobra demais e que é difícil não pensar em desistir. A letra é da Marina e foi nosso primeiro som em inglês, se não me engano.

Helena: “Brincando de Igualdade” é uma música feita em 2005 que resolvemos regravar. Ela fala basicamente sobre pessoas que são bem desconstruídas na teoria, mas que suas atitudes não condizem com o que falam.
Sempre existiram vários exemplos na cena punk/hardcore de caras com um discurso lindo em cima do palco, mas na realidade eram bem diferentes.

E como tá a banda hoje?

Adriessa: Voltou a ser Adriessa na guitarra, Rebeca no vocal, Marina no baixo e Helena na bateria.
Estávamos voltando a compor para um novo disco, querendo tocar muito e aí veio a pandemia.
Enfim, estamos como a maioria das bandas, na espera louca da vacina.

Não dá pra falar de Anti-Corpos sem falar de queercore. Conheci a banda em 2015 e tenho um adesivo da época onde se lê “lesbian feminist hardcore from brazil” e desde aquela época vocês já usavam o termo “queer” em alguns lugares. Vocês podem falar da relação da banda com o queercore?

Adriessa: Acho que no Brasil o termo queercore nunca foi propriamente usado até tipo Teu Pai Já Sabe?. O queercore é parte da nossa identidade e influências.

Bandas como Limp Wrist, Team Dresch, G.L.O.S.S., TPJS? são super importantes na nossa caminhada. Em 2019 tocamos com o Limp Wrist em Berlin e foi tipo WOW, realização de sonho!

Usar o termo “hardcore lésbico” ou “queercore” sempre foi muito importante para nós como luta mesmo, nesse espaço ainda super machista e homofóbico que é o hardcore punk.

Quem ouve punk e hardcore tem a impressão que é uma comunidade unida e linda, mas sempre que nos aproximamos da cena vemos que a realidade não é nada disso. Mas uma coisa visível na Anti-Corpos, até pra quem acompanha só pela internet, é um senso grande de comunidade. Vocês podem falar um pouco sobre isso?

Adriessa: Acho que a letra da música “Anti-Corpos” fala muito bem o que a banda representa para nós. É a nossa forma prática de luta.

Eu costumava tocar em uma banda que evitava ao máximo essa relação pessoal do público/banda. Acho que as bandas mais ”mainstream do underground” do hardcore punk dos anos 90 ainda tentavam ter essa divisão banda/público.

Eu vejo Anti-Corpos como uma grande comunidade queer, feminista, das mina, das mona, dos roqueiros e roqueiras que se encontram, curtem, pensam, trocam. O palco não nos separa e gostamos da interação em shows, trocando instrumento, chamando galera pra cantar, etc.
No final somos todes ”outcasts” que procuram nesses ambientes de shows queer feminista se divertir e sentir segure na medida do possível.

Eu acho que o que consegui com Anti-Corpos nunca consegui com nenhuma banda e muito vem desse apoio mútuo da nossa comunidade.

Helena: Total, esse apoio é essencial para nos fortalecermos ainda mais enquanto cena queer feminista.
O que não significa que quando vemos algo que achamos errado ficamos quietas. Pelo contrário, sempre que algo ou alguém é denunciado dentro da cena procuramos falar sobre isso, mesmo que não agrade a todes.

Vocês são o tema do documentário “Anti-Corpos, Pedaços de uma Turnê Cúir”, que foi exibido em Novembro no festival Mix Brasil. Vocês podem falar sobre ele?

Adriessa: Meu, isso foi muito surpresa! A nossa amigona Brunella Martina, que gravou todos os nossos clipes, já tocou na banda e gravou a segunda guitarra do disco “Meninas pra Frente”, assim que soube da nossa tour na América do Sul em 2019 falou sobre fazer um registro e usar de alguma forma o material.

Um ano depois, ela nos escreveu com o primeiro corte do mini doc, já nem lembrávamos mais dele. Fomos surpreendidas por um material super massa e ficamos ainda mais surpresas por terem aprovado o doc no Mix Brasil.

Foi interessante ver nossas entrevistas logo após a posse do Bolsonaro, falando de uma forma super pessimista, mas mesmo assim o tom da nossa fala não se compara com a realidade que está sendo vivida hoje. É tipo nossos medos que foram multiplicados por mil.
Triste demais, espero que tenha um ponto de virada em todo esse pior pesadelo.

Últimas considerações? Algum recado?

Adriessa: Obrigada demais pelo convite e sigam seus sonhos, chequem como seus amigues estão passado e fiquem bem! Vamos resistir e fazer a mudança! Quando tudo isso passar nos vemos na estrada.

Helena: Valeu pelo espaço! Força sempre!

“We Keep On Living” está disponível no Bandcamp e nas redes de stream.


Entrevista

Gali Galó – “O queernejo veio pra ficar e veio pra quebrar também”

Queer é uma palavra que tem sido muito usada ultimamente, é uma gíria ofensiva em inglês que foi ressignificada já há algum tempo. É também o Q da sigla LGBTQIA+. Dia desses me perguntaram o que significa e, depois de parar pra pensar, respondi “é tudo o que não é heterossexual ou cisgênero” (essa você vai ter que procurar no Google).

Quando ouvi o termo queernejo eu pensei “como assim?!”. Depois de lembrar onde morei minha vida toda, pensei “por que ninguém fez isso antes?”. Minha reação foi a única possível.

Eu só posso falar pelo interior de SP, aqui em todo lugar público que você passa, o povo ouve exclusivamente sertanejo. Tenho 33 anos e o único momento que consigo lembrar onde isso foi um pouco diferente foi nos anos 90, quando pagode e axé faziam muito sucesso.

Nas cidades menores a festa de peão* é o evento do ano. No ensino médio, a escola onde estudei fazia um horário especial pro turno da manhã poder chegar mais tarde, já que os alunos todos iam pra festa e faltavam no dia seguinte.

É claro que tem gente que detesta tudo isso, mas o impacto cultural é inegável. E eu falo isso pra quem não conhece o interior entender a dimensão disso tudo.

A música sertaneja sempre foi um lugar muito masculino e consequentemente machista, as mulheres têm mudado o cenário há pouco tempo e depois que Gabeu lançou seu primeiro single, “Amor Rural”, em 2019, um grupo de artistas se autodenominou queernejo e estão criando um movimento.

Em outubro de 2020 eles transmitiram a primeira edição do “Fivela Fest”, primeiro festival de queernejo do Brasil.

Convidamos Gali Galó, cantore e um dos organizadores do “Fivela Fest”, pra trocar uma ideia sobre queernejo e mais.

*As festas de peão são feiras agrícolas e agropecuárias com exposições, artesanato, muita comida, parque de diversões, rodeio e shows (raramente com alguém que não toque sertanejo).

“É, uns me chamam de caminhoneira, outros me chamam de cowboy viado, mas no fundo, lá no fundo, yo soy libre!”

Você pode se apresentar, pra quem não conhece?

Eu sou Gali Galó, cantore, compositore, empresarie. Atualmente canto dentro do queernejo, um subgênero do sertanejo. É uma música com uma narrativa LGBTQIA+, envolvendo também outros ritmos musicais, como o pop, o indie, o brega, que são estilos que tivemos de referência enquanto o sertanejo era esse ambiente tão machista e heterocisnormativo.

Além da minha carreira artística, também criei a SÊLA, que é um selo pra mulheres na música, e o “Fivela Fest”, que é o primeiro festival queernejo do Brasil.

Você não começou na música tocando queernejo, você tinha uma carreira no indie rock e inclusive foi idealizadore da SÊLA, né? Você pode falar sobre isso?

Eu comecei compondo, a composição veio antes da interpretação. A escrita era muito forte em mim, eu também sou redatore, publicitárie, jornalista, então comecei compondo minhas músicas e essa música ganhou uma roupagem indie rock porque eu acabei caindo no cenário da música independente em São Paulo.

O indie rock foi quem me abraçou, tenho um disco lançado com outro nome artístico, Camila Garofalo. Comecei no indie e depois fui a fundo buscar minhas raízes, já faz uns quatro ou cinco anos que estou nessa busca pelo queernejo que se moldou hoje.

Sim, sou idealizadore da SÊLA, que é um selo pra mulheres na música, e é muito louco dividir essa persona artística com essa persona empreendedora. Por muito tempo, quando a SÊLA surgiu, eu parei minha atividade artística. Tive que, realmente, durante três anos, me dedicar ao selo.

Lançamos vários projetos, como mostras, festivais, mini documentários, Sessão SÊLA, uma coletânea SÊLA de produtoras musicais, diversos projetos que tomaram bastante o meu tempo, energia e dedicação.

E foi, inclusive, antes de me descobrir uma pessoa não-binárie. Eu tenho essa vivência como mulher e me sinto mulher as vezes, me considero gênero fluido, então a SÊLA é um dos projetos que sou mais feliz e orgulhose de ter criado.

E como surgiu Gali Galó? Você conhecia artistas de queernejo antes de começar a fazer essas músicas?

Gali Galó surgiu justamente depois dessa caminhada com a SÊLA. Quando tive um momento pra respirar e pensar de novo na minha vida artística, entendi que eu precisava ali renascer, então mudei meu nome artístico.

Procurei uma numeróloga, comecei a buscar outros nomes artísticos, demorou muito essa empreitada, foram uns três, quatro anos também. Eu também demorei muito tempo porque tava tentando entender.

No fim descobri que eu tava procurando não só uma persona artística, mas também um nome social, sabe? Tava procurando meu nome não-binárie, eu queria um nome andrógino mesmo.

Então Gali veio dessa mistura de entender quem eu sou com o que eu queria cantar e o queernejo chegou depois.

O termo queernejo foram vocês mesmos quem criaram, certo? É meio sobre artistas LGBTQIA+ “fazendo as pazes” com sua própria cultura, não?

Sim, fomos nós mesmos quem inventamos o termo queernejo, mais precisamente eu e Gabeu.
O Gabeu tinha inventado o pocnejo e eu já acompanhava. Na verdade ele tinha lançado “Amor Rural” e eu fiquei muito atente aquilo, pensei que eu precisava conhecê-lo porque entendi que eu já tava fazendo e queria fazer algo parecido.

Aí mandei uma mensagem dizendo que queria conhecê-lo e a gente se encontrou durante a “Semana Internacional de Música”. Ali surgiu uma amizade, uma identificação e logo de cara chamei ele pra ser meu sócio no “Fivela Fest”. Já fui com o nome pronto porque ele fez muito sentido pra mim.

Ele seria o primeiro festival queernejo do Brasil, que foi quando inventamos o termo. Se pocnejo era pra “bicha” e “viado” no sertanejo, então queernejo abrangeria toda a sigla da comunidade LGBTQIA+.

E é exatamente isso que você falou, é tipo umas pazes mesmo que a gente faz com as nossas raízes, as pazes que a gente faz com o sertanejo depois de vivenciar tanta coisa e depois de ficar marginalizades em outros estilos musicais. Entendemos que a gente podia, sim, fazer parte daquele movimento.

Os artistas de queernejo dão bastante atenção à estética. Vestuário, performance… a gente vê bastante isso nos seus clipes também.

Acredito que os artistas do queernejo se apropriam de uma estética pra poder entregar um produto completo. E eu tenho certeza que as pessoas LGBTQIA+ acabam sendo instigados pela vida para aflorarem sua criatividade de uma maneira mais intensa e até perigosa, eu diria.

Então acredito que não só o vestuário, mas as letras, a produção musical, acho que toda a estética dentro do queernejo é muito bem pensada, não é nada por acaso o que estamos fazendo. Temos essa consciência tanto política, quanto estética. Sabemos muito bem o que queremos entregar, então temos cuidado com esses signos.

E coincidentemente ou ironicamente o Gabeu, a Alice Marcone, Zerzil, Bemti, Reddy Allor, acredito que todo mundo já tem um encontro com a arte e com as artes visuais.
É esse negócio de não ter preconceito com outros gêneros e outras linguagens, mesmo. A gente traz elas pra complementar nosso som.

Se a gente assume uma linguagem pop misturada com sertanejo em questão de produção musical, se assume o brega, o indie, também vamos incluir nessa estética o elemento visual e outras linguagens que vão enriquecer a narrativa que queremos passar.

Falando nisso, você pode falar um pouco sobre os singles que você já lançou? É o mesmo artista, mesmo estilo musical, mas eles são bem distintos.

Sim, são bem diferentes porque eles contemplam esse período de três, quatro anos que fiquei sem lançar nada, então são músicas feitas em momentos diferentes e eu quis mostrar esses lados distintos antes de lançar um disco.

Acredito que quando o disco for lançado vou conseguir entregar a linguagem que imagino pra Gali Galó de forma mais clara, mas eu quis mostrar ali que Gali Galó pode ir tanto do rock psicodélico até um arrocha, que é “Fluxo (Mulher do Futuro)”.

É música brega, ao mesmo tempo tem uma psicodelia, só que não deixa de ser pautado sempre pelo sertanejo, pela forma de cantar, pelas melodias, instrumentos e arranjos.

Esses singles vão fazer parte do seu primeiro disco? O que você pode nos contar sobre ele?

Desses singles, só “Fluxo (Mulher do Futuro)” e “Caminhoneira” farão parte do disco, já vou dando spoiler. “Raiz” realmente é um pouco distinto porque foi o primeiro a ser gravado, apesar de ter sido lançado depois.
Então “Fluxo (Mulher do Futuro)” e “Caminhoneira” entram no disco com mais oito músicas inéditas.

O disco é um compilado de tudo o que eu escrevi nos últimos cinco anos e de muita coisa que ficou pra trás também. Gali se reinventou muitas vezes nesse período e hoje eu consigo encontrar uma linha curatorial dentro desse turbilhão de coisas que é fazer as pazes com as suas raízes, entender exatamente o que se é, seu gênero, de onde você veio, enfim.

Exatamente como se é não, porque acho que ainda tenho uma grande busca pra descobrir quem eu sou e os milhões de gêneros que existem dentro da não binariedade. Também acho que é complexo a gente colocar uma coisa tão certa.

Mas acredito que é o retrato da minha caminhada agora, fala exatamente do queernejo, de como estou contente em ter encontrado pessoas que estão fazendo coisas parecidas com o que estou fazendo e de como esse som já faz parte de um movimento tão forte.

Em outubro de 2020 foi transmitida a primeira edição do “Fivela Fest”, festival em que você foi um dos organizadores. Você pode falar um pouco sobre ele?

Ter feito o “Fivela Fest” foi uma das experiências mais incríveis da minha vida, como artista e como empresárie.

Ele não só reuniu artistas que têm um movimento parecido com o meu e levantam a bandeira LGBTQIA+, que é um assunto que tá em primeiro lugar nos meus debates e na minha música, mas também foi muito importante pra entendermos sobre o mercado, como o público realmente tá sedento por esse assunto e como estão interessados.

Porque sertanejo sendo o estilo musical mais ouvido no Brasil, e tão heteronormativo, cis e branco, a gente entende que fazer queernejo não é como fazer música pop, que é LGBT. O pop aceita o LGBTQIA+, é como um abraço confortável, o sertanejo já não é assim. Então foi muito importante termos dado esse primeiro passo e se fortalecido como grupo, como movimento.

Eu acredito que nas próximas edições vamos descobrir outros artistas, assim como foi nessa primeira, onde praticamente apadrinhamos a primeira dupla queernejo do Brasil, Mel & Kaleb, que surgiu pra se apresentar no festival e continuam aí se apresentando e vão lançar o primeiro EP.

Então “Fivela Fest” foi uma aventura incrível. E ter feito e produzido ao lado do Gabeu e da Alice Marcone, que são pessoas que admiro tanto e que são tão inteligentes, acho que foi muito rico também pra minha experiência pessoal.

Tentando terminar a conversa com um pouco de otimismo, o que podemos esperar de Gali Galó num futuro próximo? Últimas considerações? Algum recado?

Bom, o que podemos esperar de Gali Galó num futuro próximo é esse disco que eu prometo já há tanto tempo. Mas agora realmente tá rolando, estamos na pré-produção e em breve começamos a gravar. Espero que saia nesse primeiro semestre.

E video clipes. Como você disse, o apelo visual é muito importante.
Acho que nós, pessoas LGBTQIA+, estamos de olho no que está acontecendo, nas tendências, temos que estar, precisamos usar todas ferramentas ao nosso alcance pra poder entregar um trabalho, uma mensagem interessante.

E, claro, o queernejo dentro do Fivela só tende a crescer e o nosso grupo tá super fortalecido. Somos muito amigues, dividimos experiências e eu acho que o queernejo veio pra ficar e veio pra quebrar também.

Você pode ouvir Gali Galó no Bandcamp e nas redes de stream.


Entrevista

Delipe Fantaos – Embalo Maravilhoso

Delipe Fantaos é um compositor brasileiro que mora na Espanha já há alguns anos.
Em Outubro de 2020 ele lançou seu primeiro álbum, “Embalo Maravilhoso”, um disco de samba e MPB que “é o meu abraço bem forte na minha família e no Brasil. Longe de patriotismo. É minha homenagem a um Brasil de gente, não de fronteiras e nem de bandeira. Um disco da minha saudade”.

“Embalo Maravilhoso” realmente te leva em um embalo, um mergulho nas músicas, que quando você para pra anotar algum detalhe, percebe que o disco já tá quase no fim.

Conversamos com Felipe sobre o disco, a cena musical independente na Espanha e mais.

Você pode se apresentar, pra quem não o conhece? E contar um pouco da sua trajetória na música?

Me chamo Felipe e sou lá da baixada Fluminense, Rio de Janeiro. Tenho 33, e faz uns anos, não lembro bem quantos, que decidi fazer minhas músicas. Delipe Fantaos é maneira que encontrei pra fazer minhas coisas sozinho. Adoro tocar com meus amigos músicos e tudo, mas as vezes não é possível, e aí, entra o “Delipe Fantaos” na minha vida.
Atualmente moro em Barcelona, e toco na banda Espacea. É o projeto que eu pessoalmente mais gosto de fazer. Porém, com essa coisa horrível da pandemia, a Espacea tá caminhando a passos largos. Mas tá caminhando.

Você pode falar sobre a cena musical independente na Espanha? É muito diferente do Brasil?

Viver aqui na Espanha tem sido uma experiência muito bacana. A vida musical independente aqui é bem movimentada. Ou pelo menos era antes de tudo isso que tá rolando no mundo agora. A cena underground é bastante viva, existem bandas de todos os tipos pra todo mundo. As vezes fica até meio difícil conseguir datas nas casas de show por causa das agendas super lotadas… Ou porque as bandas já tem tantos shows marcados que complica conseguir montar uma noite pra dividir os palcos.
Acho que o Brasil é tão grande que a comunicação entre bandas, público e as casas de show é mais complicada. Isso não quer dizer que a vida aqui pros músicos independentes seja mais fácil. A gente tá remando contra a corrente igual no Brasil, só que de um jeito diferente.

Como foi a concepção de “Embalo Maravilhoso”, e a vontade de fazer um disco solo? Você diz que o disco “é uma homenagem ao povo suburbano do Rio de Janeiro e ao Brasil”, pode falar mais sobre isso?

Ano passado (2020), fui ver minha família no Brasil e me dei conta que todo aquele sentimento de saudade e admiração que eu tenho pela cultura brasileira poderia se converter em alguma coisa. Nessa ida ao Brasil, ali mesmo, comecei a compor a primeira canção e a trabalhar na estética que eu queria desenvolver.
Sim! “Embalo Maravilhoso” é um disco de saudade e homenagem à cultura popular suburbana. Coloquei no disco um pouco das coisas que ouvi e vivi nas ruas, nos bares, nas casas e no cotidiano do povo.
Abusei de referências como Jorge Ben (da pra ver na capa do disco), Caetano, Bethânia, João Bosco, Gil, Zeca Pagodinho e etc. Queria um disco com uma estética Tropicalista, carnavalesca e suburbana e acho que consegui.

E como foram as gravações? Como foi feita a parte instrumental, quais músicos participaram?

O disco foi completamente gravado em casa com um microfone shure 58. Mas confesso que se não fosse a ajuda do meu grande amigo espanhol Manu G. Sanz, eu teria lançado um disco medíocre. Manu foi responsável por dar esse “ar fresco” com saxofone, órgão, algumas baterias e claro, a mix e master. Também contei com o meu amigo baterista que mora lá no Rio, Leo Oliveira, que gravou “Zé Canela” e com os músicos da minha banda Espacea, pra dar aquela pincelada em algumas músicas.

Como anda a situação durante a pandemia? As adaptações foram tranquilas?

Eu tive sorte! Pude passar um confinamento confortável e seguro. Mas sei que muita gente viveu e vive muito mal. Aproveitei todo o tempo livre que tive pra pensar e gravar o “Embalo Maravilhoso”.

Últimas considerações? Algum recado?

Gostaria de dizer ao povo brasileiro uma coisa… Brasil! Você é foda. Aqui, morando longe, percebo o privilégio de ter nascido numa terra tão rica culturalmente. Uma puta sorte. Tem muita gente tentando dividir a gente. Pode ser piegas e os carai… Mas a gente tem muito mais motivos pra se unir do que pra se odiar. Os tempos são difíceis, mas a gente vai sair dessa.
Alô, Alô, Brasil! Aquele abraço.
Gratidão pelo espaço a todos colaboradores de Bus Ride Notes e a você, Livia, pelo convite. Brigadão!

“Embalo Maravilhoso” está disponível no Bandcamp e nas redes de stream.