Bus Ride Notes

Posts by Junio Silva

Resenha

Lançamentos de Abril

Sentiu esse cheiro? São eles, os singles recém saídos do forno que o Bus Ride Notes traz pra vocês hoje!

Tá uma época bem complicada, então o melhor que a gente pode fazer agora é aquietar o facho e ficar em casa ouvindo música, ou se você está tendo que trabalhar, aproveita e já escuta esses lançamentos no caminho (ou até no banheiro do seu local de trabalho, pra dar aquele migué no patrão).

Sem mais delongas, vamos a eles:

Andressa Nunes – AlgorID

Não faz muito tempo que a Andressa apareceu aqui no blog para uma entrevista. E ela já está de volta para abrir nossa lista! (Até rimou rsrs).

Dessa vez, apresentando o novo single, “AlgorID”. Lançado no dia 27 de abril, a música fala, entre outros temas, sobre psicanálise e algoritmos.

Bateu a curiosidade? Aproveita que já tem até clipe!
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Rebecca Nora –  Labirinto

“Labirinto” é o segundo single do EP “Amor” da Rebecca Nora. A faixa lançada em 30 de abril possui elementos do lo-fi e indie pop.  

O EP, que ainda está para ser lançado, faz parte do projeto “Transmutação” que será composto por quatro EPs, seguindo uma narrativa de autoconhecimento e cura.

O primeiro da série, e também da carreira da cantora, foi lançado em 2020 e se chama “Propósito”.
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Lyra Blues – Contra Maré

Outro single que faz parte de um projeto bem maior! No primeiro semestre de 2021, Lyra inicia uma fase nova na carreira e pretende lançar quatro músicas novas. A primeira dela já está entre nós e se chama “Contra Maré”.

Fica aqui o destaque para o lyric video ilustrado do single. Amigos e colegas próximos da cantora receberam trechos da letra e tiveram liberdade de criar uma ilustração com o que eles sentissem sobre.
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Cervelet – Presentes

A banda paulista Cervelet lançou a sua primeira música de 2021. “Presentes” fará parte do álbum “Remoto”, que está sendo lançado desde 2020. A faixa sucede os dois singles anteriormente lançados, “Utopias” e “Coach”.

E se tem uma coisa que essa banda está caprichando para o novo álbum, são seus clipes. As três músicas receberam clipes muito bem produzidos e assinados pelo diretor Guilherme Constant.

O vídeo de “Presentes” se passa no centro histórico da cidade de São Paulo e tem toda uma narrativa em volta da cor vermelha.

Na letra, vemos nomes de ativistas brasileiros assassinados durante a luta por direitos fundamentais.

“A canção busca homenagear alguns daqueles que lutaram por direitos e por justiça nos diferentes momentos do nosso país”, explica o compositor Tiko Previato.
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Vida Cinza – Nada Mudou

O som neocrust/skramz no lançamento “Nada Mudou”, do projeto solo “Vida Cinza”, fala sobre estar preso em memórias e conceitos passados que mantém um loop de processos não evolutivos.

Diretamente do ABC Paulista, o projeto já conta com dois singles (“Cárcere contra o tempo”, “Dissipar”) e uma demo. Escuta que é pedrada!

Superbrava – Natural

Pop Punk? Temos também! Os paulistas da Superbrava lançaram o single “Natural” para o EP homônimo que será lançado pela Artico Music.

Segundo a banda, a música fala sobre “alguém sufocado dentro de algo que não é, que se manteve nesse padrão para agradar os outros, esquecendo-se de si. Até chegar o momento de libertação“.

O lyric video para “Natural” você confere aqui:
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Storia – Essência

São Paulo vem marcando presença nessa leva de lançamentos, ein? Agora com o single “Essência”, da banda de post hardcore/pop punk Storia.

A faixa faz parte de um novo EP que será lançado ainda em 2021. Nas referências da banda nós temos grupos como Citizen, Bring Me The Horizon e The Story So Far.

A música fala sobre pedaços de nós mesmos que deixamos em nossos relacionamentos. E veio com clipe assinado pelo diretor Phellip Atila.
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AIUKÁ – Refúgio

“Refúgio” é o primeiro single de AIUKÁ, projeto solo de Guilherme Krema, e fala sobre encontrar conforto e abrigo em meio ao caos que vivemos no Brasil afetado pela pandemia. Ela faz parte do EP “tigres vermelhos em marte caçando estrelas cadentes”, a ser lançado em breve.

AIUKÁ nasce do processo de composição de Guilherme no isolamento social em decorrência da pandemia e tem referências como AIYÉ, Boogarins e Vitor Brauer.

O EP conta com sete canções produzidas, gravadas e mixadas em seu quarto, resultando do mergulho em seu imaginário pessoal e criativo para abordar temas como solidão e afeto na pós-modernidade.
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Dêhh feat. Noze – Nunca Tô Só

Fechando nossa lista, temos o novo som do beatmaker, produtor e cantor, Dêhh.

“Nunca Tô Só” tem a participação especial do Noze e é um trap de responsa vindo diretamente do Distrito Federal.
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É isso, pessoal! O mês de abril trouxe muita coisa boa pra gente ouvir e já canta a pedra de que vem mais por aí. Fiquem seguros, cuidem dos seus e não vão dar mole por aí não. Salve!


Entrevista

All The Postcards, uma banda do Terceiro Mundo

A banda entrevistada da vez já é uma das veteranas do hardcore nacional. Com 15 anos de carreira e sete álbuns lançados, All The Postcards não mede palavras na hora de marcar posição nas letras de suas músicas.

De Angra dos Reis, o grupo é formado por Vitor (vocal, guitarra), Marcelo (baixo), Berg (bateria) e João (guitarra). O som bem característico do hardcore melódico embala letras bem diretas sobre temas sociais e a luta política da esquerda. Para não deixar nenhuma dúvida, o álbum “Fearless” estampa na capa a famosa imagem do guerrilheiro comunista Carlos Marighella denunciando a violência do golpe militar de 1964.

Destaco aqui minha música preferida da banda, “Thanksgiving”. A canção trata do ponto de vista de nós, moradores de um país de terceiro mundo, para com os países de onde importamos tanta coisa e, mesmo sem querer, tentamos imitar.

“There’s no such thing as thanksgiving. There’s no trick or treats in halloween. In a third world country we learn it all, in a third world country you don’t know about. In a third world country when we sing, it’s in english”.

Em 2020 All The Postcards lançou “Não é o Momento Para Ser Intelectual”, o primeiro EP da banda cantado em português, mostrando uma nova cara para o som deles. E, recentemente, nos trouxe, não um, mas dois singles: a versão acústica de “Thanksgiving” e a nova, “Trinta e Nova Milhões”, com direito a um clipe colaborativo dos fãs com seus bichinhos de estimação.

Pra falar sobre tudo isso, o Bus Ride Notes recebe aqui All The Postcards.

Como a banda começou?

A banda começou em meados de 2006. A ideia partiu do baixista Marcelo, que convidou o Vitor (vocal e guitarra) para montar uma banda. Marcelo já conhecia e tinha uma outra banda com o Berg (baterista).

No terceiro álbum, “Fearless”,  uma foto do Marighella estampa a capa e em “Third World Country” vocês falam sobre a visão daqui, um país de terceiro mundo, para com a influência cultural que recebemos do primeiro mundo. Como é para a banda trazer esse lado mais político para as letras? E como vocês, enquanto artistas e indivíduos, encaram essa percepção de sermos habitantes do terceiro mundo?

Felizmente, hoje a banda tem quatro cabeças bem politizadas e com o senso bem igual.

O rock, de uma forma geral, sempre foi uma forma de protesto, principalmente o hardcore. E não iríamos contra isso, jamais.

Somos quatro caras com vidas normais e que representam muito o terceiro mundo. Quatro assalariados lutando por direitos.

O que inspira vocês, tanto musicalmente quanto demais influências para a banda?

Musicalmente há um número perto do infinito de tantas referências. Cada um de nós tem um lado que puxa mais. E, sem dúvida alguma, a política é o tema mais conversado e o que mais nos instiga a escrever.

Em “Não é o Momento Para Ser Intelectual” todas as letras são em português. Por que essa mudança?

Há anos a banda tinha essa ideia de explorar músicas em português. Dessa vez colocamos a vontade pra fora e fizemos o álbum.

A mensagem que queremos passar, agora, fica mais direta de entender e bem na cara. Felizmente quem ouviu, gostou. Ufa!

Como vocês veem essa questão de bandas brasileiras cantando em inglês?

Acho impossível ter alguém que goste de rock e não se identifique com músicas em inglês. Não tem como evitar isso! Toda a base que as bandas tem vem de fora. É normal você seguir nesse seguimento. E, lógico, que não há problema algum nisso.

A gente percebe que nas capas de todos os álbuns da banda sempre rola um trabalho gráfico muito interessante. Vocês podem falar um pouco sobre essas escolhas de capas? 

Felizmente temos grandes parceiros e amigos que nos acolhem na hora de rolar uma capa, uma imagem, uma logo.

As capas sempre surgem de ideias em comum na banda e passamos para o artista fazer. A última foi o Marcelo mesmo que fez. 

O single “Trinta e Nove Milhões” fala sobre abandono animal. Vocês tem envolvimento com a causa? Como veio a ideia pra música?

Temos um bom envolvimento na causa. Marcelo tem uns cinco gatos resgatados, Molina tem mais uns quatro, Vitor tem dois cachorros. Todos que viviam em situação de rua.

A ideia veio desse convívio mesmo e da necessidade. Durante a pandemia, o número de abandonos subiu exponencialmente. As pessoas ainda acham que ter um animalzinho é só para te fazer rir. Animal é custo, é carinho, é atenção. Demanda tudo que um filho precisa. 

Quais as novidades que vocês podem adiantar para 2021?

Em 2021 a banda completa 15 anos! As ideias são muitas. Infelizmente o Brasil está afundado em uma pandemia, impossibilitando de fazermos shows.

A ideia básica ainda é lançar um álbum este ano, com dez músicas, em português. E em setembro tem o “We Are One”, onde tocaríamos com Millencolin, Satanic Surfers, entre outros. Diante da pandemia, ainda não temos noção do que vai acontecer.

Agora, a pergunta de sempre nesses tempos de fim do mundo: como está sendo para vocês se manterem ativos como banda durante a pandemia?

Muito difícil. Participamos de algumas lives e aproveitamos esse conteúdo pra movimentar as redes, mesmo assim fica difícil criar e ter essa criatividade sem poder tocar e tudo mais.

Logo no início da pandemia lançamos o “Não É O Momento Para Ser Intelectual”, perto do final do ano lançamos uma versão acústica de “Thanksgiving”, e no início do ano o single “Trinta e Nove Milhões”. Tudo com muito custo e correria, não está sendo fácil. Fiquem em casa e usem máscara!

Você pode ouvir o som da All The Postcards no Spotify, Bandcamp e Youtube.


Entrevista

Medrado – “Quero cantar até aquilo que a gente não vive ainda”

Esse texto vai ser um pouco pessoal, espero que vocês me desculpem pela falta de distanciamento aqui. Já explico o motivo. Eu quero começar contando do sorriso de ponta à ponta que abri na primeira vez que escutei os primeiros versos de “Varal de Dentes”, faixa que abre o single “Pântano”:  “Pelo horário de Brasília, relógio quebrado. Eu moro no Entorno, sou mais o Entorno”.

Foi a primeira vez que ouvi alguém cantando sobre a área em que eu moro, Entorno Sul de Brasília. Como a maioria das periferias, tão perto mas tão longe dos grandes centros. Um lugar meio “cidade dormitório”, com invasões que viraram bairros e cidades. E, claro, com todas as particularidades periféricas desse país: vielas, ruas de terra, igreja, pobreza, violência, gente que vai embora cedo demais, gente que fica e fala de quem foi, tudo isso que já sabemos e nos incomodamos de saber.

A voz nos versos era do André Felipe, vulgo Medrado. André em homenagem ao avô falecido, Medrado é sobrenome de parte de pai mesmo. Nascido em Mato Grosso e vindo parar bem cedo no Lunabel 3C, bairro criado numa área de risco do Novo Gama, a uns 40km de Brasília.

Logo no início da entrevista fiquei surpreso e feliz de saber das origens do André, porque é muito parecido com o que eu vivi aqui também. Nossos bairros são divididos por um córrego e nossas experiências de crescer aqui quase se confundem de tão parecidas às vezes. Fiquei surpreso e feliz também por conhecer alguém daqui com tanta coisa pra cantar, coisas que a gente vive e, como ele diz, ainda nem viveu.

Escrevendo sobre música, você se acostuma a ver muita gente do eixo Sul – Sudeste, vez ou outra (bem vez ou outra mesmo) alguém do Nordeste. Mas, no meu caso, nunca era alguém próximo. Não existia essa proximidade geográfica e nem de vivência. Nunca achei que à poucas ruas, um córrego e umas ladeiras, houvesse um artista tão interessante que eu escreveria sobre um dia. Não só escreveria, como teria o prazer de entrevistar para falar dessa vivência periférica e de arte. É por isso que essa entrevista é tão especial para mim pessoalmente e espero que seja para vocês também. Confira:

Bom, Medrado, acho que podemos começar falando um pouco de você. Como foi seu primeiro contato com a música? Como foram as tuas primeiras gravações?

Meu primeiro contato com a música, com a arte, eu nem lembro. Foi uma percepção do meu pai quando eu era de colo. Ele conta que em todos os lugares que a gente passava e tinha alguma música eu imitava o som da bateria com a boca, o mesmo ritmo e tal. É algo que já veio comigo no sangue: meu avô tocava pife e minha mãe cantava na igreja. Uma família de músicos, saca? Meu pai é guitarrista, se dedicou muito aos estudos, as escalas. Eu comecei a tocar na igreja bem novo, com uns três anos já fazia barulho.

Quando a gente morava na invasão, meu pai passou uma cota desempregado e minha mãe trabalhava de diarista em Brasília. Aí eu ficava em casa com meu pai e ele comprou uma bateria pra mim, fiquei louco. Ele tinha baixo e uns amplificadores, tinha guitarra. Então, a gente tocava junto e meu pai é o cara mais eclético que eu conheço. Ele ouvia BB King, Tribo de Jah, Oscar Valdez, Mortification, que é tipo “UAAAGHHHH”, uma bagaceira.

Lá em 2014, comecei compondo alguns desejos e percepções que eu queria pra minha vida espiritual, meu foco cristão. Eu ia pro estúdio de um brother, Jonathan Mocher, aqui no Lunabel mesmo. Escrevia em casa e marcava lá, ficava atrapalhando enquanto ele produzia outras coisas. Quando tinha um tempo livre, chegava com a letra, tocava violão, cantava, tocava baixo e bateria. Foi lá que eu percebi o quão mágico era tudo aquilo e que eu queria fazer aquilo pelo resto da minha vida. Ali foi uma escola pra mim.

A gente é praticamente da mesma área, Entorno Sul de Brasília. É um lugar onde é muito perceptível a exclusão de periferia para com o centro, a gente acaba ficando de fora de muitos rolês do Distrito Federal. Como isso se reflete na tua música? Você encara mais como um empecilho ou uma motivação? E como é ser um artista vivendo tão perto, mas tão distante da capital do país?

Mano, a minha visão sobre o Entorno Sul é a seguinte: eu vejo um garimpo muito grande e rico, pedras muito valiosas que nem sabem o seu valor. Ponto Final, Morro do Lago Azul, Lunabel 3C, 3B, 3A, Boa Vista, Cidade Nova, Residencial Brasília, Novo Gama, Negreiros, Pedregal, Céu Azul, Valparaíso, Ingá, tá ligado? Pedras preciosas que descobrem seu valor exercendo sua arte.

Brasília fechou portas pra mim em vários sentidos. Até na Escola de Música de Brasília. O que eu mais fiz foi tocar bateria, estudar partitura, estudar tudo. Fiz a prova e não passei. O bagulho que eu mais fiz na vida. Cheguei lá, fiz três ritmos, fiz uns rudimentos. Depois fui ver o resultado e voltei pra casa frustadíssimo. Todo mundo  falando “Velho, você não pode parar, faz lá até passar”. E eu não quis tentar de novo pra preservar algo que até hoje eu não sei ao certo o que era. Mas meu rolê é a prática, tipo me deixa num estúdio com todos os instrumentos pra tu ver uma coisa. Me deixa com um violão e um mic, uma bateria e um baixo, ou sei lá só um mic. Velho, vai sair um CD, saca?

O rolê daqui não é nem escrever o som de fato, é tu acreditar no teu som. Eu escrevi “A Lei da Semeadura“, escrevi “Alarme Natural”, escrevi o single “Lamaçal” numa tarde. Toquei a bateria, o violão, captei as vozes. E eu não acreditava, tá ligado? Não tinha aquela firmeza, eu sabia que era massa, mas aquela auto estima não chegava. Depois de fazer vários trampos eu comecei a perceber isso. Fui vendo como se faz, a garra do pessoal daqui assistindo o show do Pretinho. Vendo o Isaac Cavilia fazer freestyle comigo, vendo o Grijo rimar, o Lucas aqui do lado de casa tá lá captando o som dele no celular, faz vídeo e lança no IGTV. Vendo o Akumas colando e mandando uma mensagem tipo “Mano, não para não, tu é raro”, saca? Vendo o Dhu 7 falando “Poxa mano, primeira vez que ouvi ‘A Lei da Semeadura’ eu tava num fim de tarde e fiquei emocionado”. É um garimpo unido que vai se revelando, crescendo e aprendendo com seu próprio povo.

Como o “não olhar pra gente” do quadradinho reflete na minha música é o que eu quero mais falar. Falar das ruas esburacadas, esse esgoto que corre na porta da minha casa, falar de todos que já se foram, da pureza de mesmo quem já perdeu os familiares na vida bandida mantêm. São coisas muito maiores, são coisas que motivam e nos tornam mais ricos, saca? Quero cantar até aquilo que a gente não vive ainda, cantar nossa prosperidade, cantar nossa união cada vez mais. Ser um artista vivendo tão perto e tão distante da capital do país é ser um brasileiro que acredita no sonho e sabe o quão tenso é viver nesse país, o tanto de coisa imposta que a gente tem que engolir, o tanto de coisa que a gente sabe e a nem pode falar.

Quais são suas maiores influências? Tanto musicais quanto visuais, coisas que te dão pilha para compor.

Meu pais, mano. Eles são a minha maior influência. Eu fazia meu pai gravar as fitas de rádio de rap que eu gostava. Sempre curti muito a história, a família, o “Castelo de Madeira”. Eu ouvia essa música e falava “Esse cara é parecido comigo, eu sou o príncipe do gueto”, tá ligado? Olha onde eu moro, no barracão de madeira! Aí me fascinava não conhecer o cara, mas ver tudo o que ele escrevia e sentir a energia da música. Me aprofundei em todos os estilos, MPB, muito Belchior. Country com Willie Nelson, muito antes do Snoop Dogg fazer ele ser conhecido. Ouvir cada estilo buscando aprender com a riqueza de cada um.  A princípio, essas são as minhas referências, as labutas, minha mãe trabalhando e a gente em casa ouvindo música.

Falei muito das influências sonoras, agora de visual tem um quadro que eu acho muito louco. É o “Duelo com Porretes” (Francisco de Goya), que são dois malucos brigando com pedaços de pau na areia movediça. Acho que esse é o quadro mais expressivo que eu já tive contato. Também tem o Francisco Galeno, pra mim é a maior referência visual. Eu tenho muito problema de vista, mas o vermelho dele e o tom dele pra mim é muito saturado, eu piro. O rolê dele com a infância também, me identifico muito.

Desde os seus primeiros singles sempre rolou muita parceria com outros artistas, certo? Ano passado teve o single “Lamaçal” com o Alice Piink e o Graça, por exemplo. Como estão sendo essas parcerias?

A Organdi me adotou, nem diria que é meu selo mas é minha família. O Graça, Alice Piink, a Mirela, Débora, essas parcerias sempre vão existir. Cada um é de um estado e, com o rolê da pandemia, a gente tem se mantido um pouco distante, mas sempre mantendo o contato. Esses caras sempre vão estar trabalhando juntos, Medrado e Organdi, Organdi e Medrado.

Esse ano tá em produção um trampo seu com o An_tnio, certo? Como tão as expectativas pra esse trabalho? O que você pretende trazer de novidade?

Essa colaboração com o An_tnio é muito importante pra mim porque vai ser meu primeiro EP. Não vou mais lançar singles duplos, serão trabalhos maiores, ou EPs ou álbuns. Eu quero trabalhar melhor com projetos grandes, e a novidade principal vai ser que esse EP será todo de freestyle.

Você toca vários instrumentos, já fez algum som acompanhado de banda? Pretende tentar algo assim futuramente?

O single duplo “Lamaçal” é um belo exemplo disso, toquei violão e bateria. Tinha esses elementos acústicos, mas de fato esse ano eu quero gravar um disco cantando e tocando bateria. To começando a escrever esse trabalho e vai ser meu primeiro trampo com banda gravado ao vivo. Não faixa por faixa, saca?

Pergunta clichê ultimamente, mas é interessante falar: como tá sendo pra se manter produzindo e divulgando seu som agora nesse período de pandemia e caos total?

A pandemia tem sido um aprendizado. Os momentos bons têm sido muito bons e intensos, os difíceis têm sido muito duros. Ano passado eu perdi minha avó e esse ano minha tia avó. Apesar de muitas perdas familiares, eu tenho buscado o equilíbrio mental, espiritual e profissional. Eu tenho aprendido muito e tenho exercido muito a minha fé, isso vai passar e colheremos bons frutos apesar de tudo.

Acredito que até mesmo essa pandemia veio para nos unir. Essa é a minha primeira entrevista e tenho muito a agradecer por isso, por vocês reconhecerem meu trabalho. O melhor e o que mais me motiva nisso é ser entrevistado por um cara do Entorno Sul que sabe como é caminhar com a cabeça na mira.

Você pode ouvir Medrado no Soundcloud, Spotify e Youtube.


Entrevista

Naissius – Tanto Ódio

O ano de 2018 terminou com um monte de sentimentos entalados na garganta, lembra? Foi o ano em que o luto tomou conta. Pois é, Vinicius Lepore, ou melhor, Naissius decidiu não deixar barato naquele ano.

Em seu segundo álbum, “Tanto Ódio”, o músico paulista canta e, às vezes, quase murmura sobre perdas em meio à um mundo cada vez mais cinzento. É um álbum para se ouvir atentamente as letras, quase como se estivesse lendo cartas à algo ou alguém que já se foi.

“Tanto Ódio” é produzido por Luis Tissot, conhecido na cena paulista pelo trabalho com as bandas Backseat Drivers, Thee Dirty Rats e The Fabulous Go-Go Boy From Alabama. A faixa “Grande Evento” recebeu um clipe e uma história em quadrinhos assinados pelos irmãos Jo Paiva e Joseph Paiva. Já o clipe de “Redenção” é composto de cenas do filme “Asco”, de Ale Pascoalini.

No álbum, Naissius assina todas as letras além de tocar violão e guitarra. Nobu Hirota é responsável pelo baixo e Roberto Neri pela bateria. Também fazem participações Luis Tissot, Thiago Lecussan, Matheus Camara, Felipe Rodrigues e Mariana Wang.

Confira nossa entrevista com Naissius sobre tudo isso e um pouco mais.

Primeiramente, a gente poderia começar falando sobre o contexto em que nasceu o “Tanto Ódio”. Como surgiu a ideia desse seu segundo álbum e o que você estava fazendo na época que te deu esse estalo pra compor?

O repertório do “Tanto Ódio” (2018) começou a surgir logo após o período de shows do “Síndrome do Pânico” (2015). O clima político no país estava ficando cada vez mais tenso e isso influenciou muito o disco – a faixa, “Tanto Ódio”, retrata bem esse sentimento e por isso deu nome ao álbum. Na época, eu estava vivendo numa cidade do interior de São Paulo, com menos de 50 mil habitantes; ver o ódio e outros sentimentos ruins como fator de união entre as pessoas foi algo assustador na época. Ainda é. Música me serve como terapia pra lidar com questões difíceis.

Ouvindo as suas músicas a gente percebe letras bem intimistas, quase como cartas cantadas. Principalmente, na faixa “Canção Sobre Você”. De onde vem esse seu estilo de compor? As letras são baseadas em alguma situação específica ou você faz um apanhado de referências?

O “Tanto Ódio” é um disco sobre diferentes perdas: crenças, ideias, pessoas. Parte do que se ouve pode parecer codificado, o que permite cada um ter sua própria relação com as músicas. Em geral, entretanto, ele é bem literal. “Canção Sobre Você” é explícita. Tento ser econômico nas palavras. Gosto de compositores que conseguem dizer muito falando pouco, como Leonard Cohen e Rodriguez, por exemplo. A estética da música é algo que vem depois – como ela soará ou quais imagens eu quero que o ouvinte tenha pra relacionar com as canções. O filme “Asco”, do Ale Pascoalini, foi muito importante nesse aspecto. Tive a honra dele ter usado cenas do filme pra compor o primeiro clipe desse disco, “Redenção”, após lhe contar sobre o impacto que este filme teve na composição estética do disco.

Quais foram suas referências, tanto musicais quanto de outros meios, que contribuíram para a composição do álbum?

Eu queria um disco que tivesse o folk como base musical, mas também queria adicionar elementos de post-punk e, na minha cabeça, isso seria bem difícil. Nesse aspecto, a produção do Luís Tissot (Thee Dirty Rats) foi fundamental pra achar essa sonoridade, pois ele não só conhecia as minhas referências, como trouxe outras que somaram muito. A ideia era ter algo de filmes noir; Edgar Allan Poe; “Drácula”, de Bram Stoker. Tudo isso acabou sendo infectado pelo cenário político, o que deixou o conjunto ainda mais tenebroso, já que a realidade se tornou mais assustadora do que qualquer influência que eu pudesse tirar da ficção.

Como foi o processo de gravação?

Foi inteiramente gravado no extinto e lendário Caffeine Studio. Foram seis meses ao lado do Luís e dos músicos que participaram do disco, arranjando as músicas ao longo das gravações – um processo que dá muito mais trabalho, já que envolve uma certa anarquia, mas eu gostei muito do resultado. Foi tanto cansativo quanto enriquecedor.

O álbum foi lançado em 2018, uma época que ainda dava pra fazer shows e uma divulgação corpo a corpo né. Como foi esse período? Deu pra excursionar bastante com o álbum?

Não fiz tantos shows quanto gostaria, pois na época não me sobrava muito tempo pra me dedicar a eles. Por isso também, a divulgação ficou bem limitada a São Paulo, ao contrário do primeiro disco. A imprensa não pareceu se interessar muito pelo álbum, com exceção de alguns veículos que falaram muito bem. Fizemos poucos shows, mas a maioria deles foi legal. Até gravamos um, que lançamos como “Tanto Ódio – Ao Vivo no Estúdio Aurora”.

A música “Grande Evento” recebeu um clipe e uma HQ, certo? Como aconteceu essa escolha pra essa música? E o processo para produzir tudo isso, como foi?

Essa música existe há bastante tempo. Toquei ela no meu primeiro show como Naissius. Acho que a escrevi depois de gravar o primeiro disco e já passei a toca-la nos shows acústicos que fazia. Desde então ela já era uma música que eu queria como single e a ideia era fazer um clipe comigo junto à banda que me acompanhou nessa turnê, com imagens da gente tocando. Mas aí veio a pandemia e o Jo Paiva, diretor do clipe e um parceiro muito presente nesse disco, sugeriu que fizéssemos uma animação mostrando a banda em confinamento. Quando ele e seu irmão, o ilustrador e co-diretor do clipe, Joseph Paiva, me apresentaram o storyboard, tive a ideia de fazer também uma versão em HQ, a qual escrevi o argumento. Fizemos uma pequena tiragem e é um projeto que me orgulho muito do resultado.

Em 2020 saiu um novo single seu, “Se Você Passar Por Lá”. É sinal de coisa nova vindo em 2021? Fala um pouco sobre como ele foi feito.

Essa música foi pensada pra ser um single, sem integrar nenhum disco devido ao contraste que ela tem do restante do meu repertório. A última vez que entrei num estúdio com a banda, cerca de um ano atrás, estávamos arranjando essa música pra gravarmos. Conseguimos gravar organizando sessões individuais no estúdio, o Kasulo. Também tive o apoio de músicos do círculo de amizades do Thiago Lecussan (5 Pras Tantas), que produziu a música junto comigo.  Ao longo do ano passado também passei a trocar demos com meus amigos de banda pra arranjar o que será meu terceiro disco, que sai ainda este ano.

Pra finalizar, uma pergunta que procuro fazer pra todo mundo que entrevisto ultimamente: como tá sendo levar adiante o seu trabalho durante a pandemia? Obviamente, não tá rolando de ir em shows e tal, então quais as alternativas que você tem encontrado nesse momento tão esquisito da vida de todo mundo?

Esse lance de trocar ideias e fazer uma pré produção do disco é algo novo pra mim e surgiu de uma vontade de continuar me relacionando com certas pessoas e lidar com o isolamento sem interromper o projeto. Me desapeguei bastante desse lance de estar “virtualmente ativo” e isso também me ajudou a lidar com as coisas de forma mais equilibrada. Também voltei a estudar teoria musical, algo que havia deixado de fazer desde a época do “Tanto Ódio”. Vejo essas transformações todas de forma positiva. O isolamento te faz perceber quem você realmente gostaria de ter por perto se pudesse.

“Tanto Ódio” está disponível nas redes de stream.


Entrevista

Andressa Nunes – O Mandacaru Intergaláctico

“O Mandacaru Intergaláctico” é uma carta de amor ao sertão escrito pela cantora baiana Andressa Nunes. Lançado em 2020, o álbum contêm 13 faixas que fluem como um abraço, como em “A Bahia é Grande”. Isso sem perder a mão nas experimentações, como a technobrega “Bagaceira”.

O álbum foi gravado em Juazeiro (BA) com coprodução de Iago Guimarães, da Casinha Lab. Todas as letras, bem como a arte da capa e as artes personalizadas das músicas no Youtube, são assinadas pela própria cantora.

Andressa canta que “o sertão é a resposta”. Então, fazendo o caminho contrário, fizemos um monte de perguntas sobre “O Mandacaru Intergaláctico”. Confira:

Andressa, a gente pode começar falando sobre o caminho que levou até “O Mandacaru Intergaláctico”. Em 2019 você lançou vários singles, certo? Como foi esse período entre os singles e a composição do álbum? 

Sim, em 2019 eu decidi publicar algumas experimentações caseiras que estava fazendo sozinha e sem muitas pretensões. Dessas, a minha preferida é Ana(r)coluto, que é uma música bem antiga mas que gosto bastante da letra, cheia de referências à filosofia da mente e à gramática da língua portuguesa. Como meu processo de composição é bem aleatório, não houve um ponto específico em que eu decidi compor “O Mandacaru Intergaláctico”. A música título, por exemplo, foi escrita há mais de cinco anos, enquanto “Bagaceira” foi escrita na hora de entrar no estúdio, praticamente.

Algumas músicas (talvez o álbum inteiro, até) são verdadeiras cartas de amor ao sertão, à Bahia, ao Nordeste como um todo. Na primeira música você já canta que “o sertão é a resposta”. O que te motivou a compor essas letras? O que você estava sentindo nesse período?

O sertão, principalmente por sua adaptabilidade e riqueza cultural, pode ser a resposta para muitas das questões sociais que temos enfrentado. O sertão é a resposta num sentido geopolítico, de olharmos para as riquezas e para os modos de vida da população dos vários sertões do Brasil (os rincões da Amazônia, do Centro-Oeste, dos Pampas, das Caatingas), que num geral conseguem conviver melhor com a natureza e produzir seu próprio alimento. Mas também o sertão pode ser uma resposta mais íntima: compreender de onde vim e a linguagem que me habita foi um processo importante para me deixar levar pela música que há tanto tempo componho.
A motivação maior para reunir essas canções foi justamente olhar no espelho da palavra, já que na época eu estava sentindo uma saudade de mim que tomou a forma (espinhosa, mas bonita) de um mandacaru. Há também uma motivação política – toda arte é política, inclusive a “neutra”. Falar do nordeste como algo contemporâneo, sem saudosismos, sem estereótipos, é uma forma de trazer luz a questões que estão em voga como a xenofobia e o machismo. Eu quis trazer um sertão que se deixa permear pela modernidade, mas sem medo de criticá-lo também, como em “A Última Cajuína do Sertão”. Vale ressaltar que não é uma questão de fazer o nordeste virar uma pauta identitária, pelo contrário: quero falar das suas pluralidades e das suas contradições, da ignorância e do saber, com consciência e sem vitimismo. O sertão não precisa de narrativas sensacionalistas. Fico com as narrativas sensoriais.

Quais foram suas referências musicais e de outras fontes? 

Na música, posso citar Cátia de França, Alceu Valença, Tom Zé, Luís Gonzaga, Dominguinhos, Caetano Veloso, Daniela Mercury, os Beatles, Björk, Zé Ramalho, Baiana System.
De outras fontes, acredito que Guimarães Rosa tem uma presença marcante na minha relação com o sertão feito de palavra. Também gosto bastante de cinema, e obras como “Bacurau” e “Deus e o Diabo na Terra do Sol” atravessaram bastante meu processo criativo.

Pode falar um pouco da parte instrumental do álbum? Quais os demais músicos que participaram? Como foi bolar esse som? 

Eu toquei violão em todas e guitarra em algumas das músicas. O restante (bateria, baixo, teclas) ficou por conta de Iago Guimarães, do Casinha Lab em Juazeiro, BA (que coproduziu e mixou as músicas) e do Wagner (percussões diversas) como representante da Camerata Matingueiros de Petrolina, PE. Bolamos o som seguindo o fluxo das letras, eu já tinha em mente o clima e a instrumentação que desejava e os meninos foram geniais e muito generosos ao me escutar e trazer novos elementos para a brincadeira.

O álbum foi lançado no ano em que a pandemia chegou. Já que os shows estão inviabilizados, como foi feita a divulgação do trabalho?  

Divulguei apenas pela internet e também entre amigos e familiares. As novas pessoas que têm chegado para escutar têm sempre me surpreendido positivamente, já que infelizmente não pude fazer nenhuma ação de marketing mais grandiosa. Mas o fluxo da vida, dos algoritmos e das canções tem uns mistérios interessantes.

Tem previsão para clipe?  

Tenho gravados takes de clipes para “Mulher Apocalíptica” e para “Manequim”, mas te confesso que sou eu que faço tudo na minha “carreira”, então a falta de tempo para editar está pesando bastante nesse aspecto. Quem sabe esse ano ao menos esses dois não saem, né?

Num momento em que o Brasil parece estar sendo atacado diariamente pelo que tem de pior nele mesmo, é realmente um respiro ouvir algo que fale com a gente assim, né? Na música “O Absurdo” você escancara esse clima que a gente vive. Você vê alguma esperança pra esse absurdo tanto na via artística, social ou política?

Nem medo, nem esperança: tenho confiança na ética e na capacidade de se transformar que o Brasil tem. Certamente é um processo lento e meu grito de “não me deixe achar normal o absurdo” resume esse chamado para que não deixemos a ignorância e a necropolítica se tornarem a voz da vez, como se fossem uma certeza fatal contra a qual teremos que lutar o tempo inteiro. Não. Não é normal, não é o nosso normal e não existe um “novo normal”: esse desmonte da coisa pública e o descaso com tantas vidas é uma aberração. Tenho fé em grande parte da população que se preocupa consigo mesma, mas que também busca ajudar o próximo. Tenho confiança na ciência e nas instituições de ensino e no seu papel político tão fundamental e de tanta resistência. Tenho fé nos artistas independentes, principalmente nos que produzem arte em vez de produto: a revolução também virá pela beleza, pelo sublime e pela coragem. Mas a mudança é silenciosa e lenta, e enquanto ela não vem, vamos agindo aos poucos para combater os fascismos que nós mesmos reproduzimos com arte, muita solidariedade e muita paciência.

O álbum está disponível no Youtube, Deezer, Spotify e Itunes.


Entrevista

Cama Rosa Gruta

Em agosto de 2018, no Caffeine Studio, São Paulo, algo começava a ser gerado. Bruno Trchnmm e Cindy Lensi (Cama Rosa) passaram pela cidade e toparam com Analena Toku (Gruta), o resultado desse encontro nós só veríamos dois anos depois. Já dá pra adiantar aqui que valeu a pena a espera.

É interessante pensar nesse espaço entre esse encontro e o fruto dele, é como se o próprio tempo tivesse um papel importante no resultado final tanto quanto o ato de compor e tocar. E o tempo mexe com a gente. Nesse caso, de tanto mexer com os três, em 1 de outubro de 2020, saiu o EP “Cama Rosa Gruta”.

O álbum, mixado e masterizado por Juliana R., conta com quatro faixas: Vértice Osso Jade; Cipó Ouriço Beat; Passo Cravo Cipó; Melancia Vapor Cigarro. Tão abstrato quanto os nomes das faixas denunciam, no Bandcamp o álbum é definido como um caleidoscópio vivo, um animal que se move mas deixa um rastro de imagens coloridas, um rastro que tem mais de dois anos de metamorfoses antes de se cristalizar, e até mesmo como uma explosão em câmera lenta.

Pra olhar um pouco mais de perto esse caleidoscópio ambulante que, após tanto tempo se cristalizando, agora explode lentamente, convidamos os envolvidos na obra para uma entrevista. Confira:

Primeiramente, como estão nessa quarentena? Todos saudáveis?

Anelena Toku: Por aqui tudo sempre na linha entre estar “bem”, ter a possibilidade de ficar em casa e ao mesmo tempo sentindo todas as sensações que vem com esse momento tão crítico e com tantos acontecimentos que nos revoltam.

Cindy Lensi: Tudo bem, sim. No começo da pandemia estava tenso, um ar denso que impregnou o dia-a-dia com nóias e incertezas. Agora estou me sentindo um pouco mais tranquila, e conseguindo pensar com mais clareza.

Bruno Trchnmm: Eu sou professor da rede municipal aqui em Campinas e tenho um filho de 6 anos, então por aqui a quarentena tem alguns tons particulares de desespero . Mas não dá pra reclamar não, pelo menos podemos trabalhar em casa.

Como surgiu a ideia do EP? Por que as duas bandas decidiram trabalhar juntas?

Anelena: Esse encontro foi bem espontâneo, aproveitando uma vinda da Cindy e do Bruno pra São Paulo, marcamos essa sessão no estúdio. A gente já tinha vontade de produzir algo junto. A uns anos atrás eu já tinha gravado um som chamado “Ruínas” com uns samples de guitarra do Bruno. No início de tudo, Gruta era só guitarra/violão e voz, depois fui fazendo mais coisas com eletrônicos e deixei a guitarra, então esse reencontro com as guitarras foi ótimo.

Cindy: Já tínhamos ouvido alguns sons da Anelena (Gruta) e também já vimos ao vivo uma apresentação do Fronte Violeta (Anelena Toku e Carla Boregas). Achamos muito legal. Foi o Bruno quem deu a ideia de convidá-la, e quando um dia estávamos indo tocar em São Paulo no Hotel Bar, isso em Agosto de 2018, fizemos o convite para gravarmos um improviso juntos lá no estúdio Caffeine no mesmo dia. A Anelena topou e assim surgiu o EP. Só tivemos noção melhor do som quando ouvimos depois mesmo. Esse ano convidamos a Juliana R. para fazer a mixagem do disco, então na verdade esse disco foi construído por quatro pessoas.

Bruno: Tem muito o lance de que o meio que a gente circula mistura muitas dessas abordagens de som, o noise, o improviso livre, a música eletrônica, performance… meio que tudo ao mesmo tempo. Então apesar de ser um percurso estranho, é muito natural porque tem um pouco desse trânsito: a gente gravou um improviso totalmente livre sem combinar nada, e depois trabalhou nesse som fazendo umas colagens, que é meio que o modo de trabalho da música eletrônica. Depois a Anelena gravou as vozes, que trazem pra mais perto de um tipo de canção, mesmo que abstrata.

Fronte Violeta

Como foi o processo de gravação? O que vocês buscavam transmitir durante as sessões?

Anelena: Foi tudo bem rápido, a base do disco foi gravada em uma sessão de improviso. Ali a gente passou por vários processos ao mesmo tempo, de cada um achar seu espaço no som, testar os timbres e como eles se relacionam. Depois disso o Bruno ainda mexeu nas faixas e foi inserindo mais coisas e revelando as músicas no meio desse material. Esse ano resolvemos finalizar e eu gravei umas vozes pra compor com os eletrônicos e guitarras.

Cindy: Quando buscamos colaborar com alguém, nunca damos nenhum direcionamento. A ideia é deixar acontecer na hora. Nunca dá errado, é incrível haha. Isso que é legal de improvisar. Talvez no começo, sei lá, leva uma meia hora pra nos encaixarmos todos no som, mas depois ficamos bem conectados, tanto que as vezes eu acho até legal dar uma “desconectada” no processo, começar algo sonoramente diferente do que já estava acontecendo. Acho que nesse EP “Cama Rosa Gruta” aconteceu isso, tanto que foram criadas quatro faixas nele, cada uma com sua forma, sem muito destoar uma da outra ao mesmo tempo. O EP acabou ficando com um desenho bastante orgânico, me remete a coisas naturais como estalactites, lavas e ao mesmo tempo tem uns samples de jazz que deixam com uma cara bem única. Também tem presença de linhas vocais, que até então não tínhamos colocado. Cada vez que eu ouço um pouquinho mais, se transforma em outra coisa, outras imagens ou outros tempos talvez.

As gravações ocorreram em 2018, certo? Qual o motivo de ter demorado dois anos para serem lançadas?

Anelena: Talvez esse tempo tenha servido para maturar os sons. Acho que a gente que costuma gravar sessões de improviso com as pessoas, o que mais temos é faixas e mais faixas gravadas de diversas épocas. Quando eles falaram que estavam retomando foi uma surpresa boa. A gente voltou a mexer nesse material em Março desse ano, então de lá até Outubro ainda foram alguns meses de atenção pra tudo isso. Pra mim ouvir gravações de outros tempos sempre traz uma nostalgia, porque o som também cria nossas memórias, mas também coloca a gente pra perceber o que tá ali com uma outra escuta. A primeiras vezes que eu ouvi as gravações de 2018, eu tive a sensação de estar diante de um horizonte distante, olhando por um binóculo, e quando gravei as vozes esse ano, eu sinto que estava tentando trazer esse horizonte pra mais perto, para o agora.

Cindy: Demoramos porque naquele mesmo ano começamos tocar bastante nos lugares e também precisávamos juntar um dinheiro talvez, além de outros contratempos da vida pessoal, mas rolou. Queríamos que uma pessoa mixasse pra gente com carinho, pois não temos essa habilidade. Esse ano por mais difícil que está sendo por conta da pandemia, coincidiu de dar certo a continuidade desse material.

Bruno: É aquela coisa também, o nosso tempo pra trabalhar em música é sempre o tempo da sobra, geralmente. Tem trabalho, casa pra limpar, coisa pra estudar. Então tem que se acostumar com a ideia de que as coisas vão se estender no tempo, porque no momento é a única forma que elas podem sobreviver. A gente tem aqui uma ideia muito fixa que ser artista é viver de arte, o que é uma farsa, porque a maior parte de quem produz arte (no mundo inteiro, inclusive), não vive de arte. Mas mesmo assim produz. Esse método de trabalho, inclusive, de lidar com improviso, colagem, tem a ver com esse tempo que sobra. É uma forma de trabalho que, apesar de soar ou parecer meio “torta”, é muito dócil a esse tempo do dia-a-dia, sabe? É uma forma de fazer música que entende quando você chega cansado do trabalho ou só tem tempo livre no final de semana.

Cama Rosa

De onde surgiram os nomes para cada faixa?

Anelena: Pra mim as músicas todas me trazem uma sensação de trilha sonora, me remete a muitas imagens. Ao mesmo tempo são imagens bem abstratas, fluídas e não lineares. Como se o sentido delas fosse construído a partir de uma organização própria. Essa ideia de cada um sugerir uma palavra pra cada som surgiu um pouco disso, de serem nomes que trouxessem mais uma sensação do que nomear propriamente a música.

Cindy: Para dar um contexto para entender esses nomes – no nosso Bandcamp tem o registro de todas as nossas improvisações que gravamos. Colocamos duas faixas e damos dois nomes para cada uma, por exemplo “Hibisco/Navalha”. A escolha desses nomes são mais aleatórias, em uma vibe parecida com um jogo de palavras, tipo aqueles exercícios de automatismo que os surrealistas usavam, mas nada profundo. Em algum nível nosso som surge na mesma maneira em que nossas palavras surgem ou vice versa. A gente decidiu (por grupo no Whatsapp) que seria legal para o EP “Cama Rosa Gruta” usar três palavras dessa vez para cada faixa, já que somos em três. Foi interessante, teve até palavra que repetiu e deixamos. As palavras foram; vértice osso jade — cipó ouriço beat — passo cravo cipó — melancia vapor cigarro.

 O que vocês buscaram fazer de diferente em relação à uma gravação “tradicional”?

Anelena: Acho que meus processos de gravação com Gruta sempre foram zero tradicionais, sempre gravando do jeito mais caseiro possível porque era como eu tinha como fazer. E foi assim com as vozes que gravei. Somado a isso, toda a troca de arquivos e comunicação durante um início de quarentena/pandemia com certeza marcaram essa gravação. Acho que outra parte do processo importante foi a mixagem e masterização que a Juliana R. realizou. Foi importante ter alguém de fora, mas ao mesmo tempo que nos conhece bastante pra desenhar a forma que isso teria.

Cindy: Boa pergunta, pois eu não acho que a gente fuja da gravação tradicional. Inclusive a maioria de nossas gravações são bem lo-fi. E nesse a gente gravou em estúdio, para seguir a tradição. Mas a gente sempre dá uma mexidinha aqui e ali depois que estamos com o material.

Bruno: A gente faz o que pode com o que pode né haha. A gente gravou essa sessão em um esquema de “ensaio gravado”, que é uma gravação ao vivo bem simples. Essa sessão depois ficou comigo e eu aos poucos fui editando o que pareciam as partes mais legais, cortando uns trechos, montando uns loops com partes mais bacanas. Eu cheguei até a achar que perdi esse disco uma vez, quando meu PC pifou. Esse ano, no choque do começo da quarentena eu peguei pra ouvir essas faixas, dei uma mexida última e parece bem legal. Coloquei os samples (um do Sun Ra e de uma videoaula de bateria ensinando a levada do Elvin Jones haha) , só que feito do meu jeito, muito tosco. Então a gente mandou para a Juliana transformar aquela colagem tosca em algo mais coerente, o que deu esse espaço pra Anelena gravar as vozes.

Podem falar um pouco da arte da capa?

Anelena: Quando começamos a pensar a arte logo me veio a imagem de colagens e recortes, mas como o Bruno escreveu no texto que divulgamos, era uma idéia de uma colagem em movimento, que se alterava. Eu busquei umas fotos minhas de 2015 e criei essa montagem a partir desses fragmentos. Uma tentativa de recriar memórias e experimentar esse horizonte que não é estático, um horizonte que escapa.

Cindy: A capa é um projeto gráfico da própria Anelena Toku. Uma colagem que casou muito bem com os sons. A combinação das palavras, o som e mais a arte da capa conversam tão bem que eu acredito que por conta disso o disco conquistou vida própria.

Bruno: Eu gosto muito de todos trabalhos visuais da Anelena, muito mesmo. A colagem tem um lance como o do sample, é uma parada que parece meio dura, porque é uma imagem fixa que você pega de um lugar e põe no outro, não tem muito o que mexer. Mas a colagem e o sample também tem o lance da repetição, que você pode jogar no espaço e vira uma coisa muito fluida, que você pode mergulhar.

E os projetos futuros de cada um dos grupos? Pretendem fazer mais coisas juntos futuramente?

Anelena: Gruta é um projeto meu bem pessoal e que nos últimos tempos esteve meio dormente principalmente porque tenho desenvolvido bastante coisa com o Fronte Violeta, que é meu projeto com a Carla Boregas. Acho que Gruta, Cama Rosa e Fronte Violeta sempre tiveram uma proximidade por habitarem um mesmo universo de som, então com certeza imagino que continuaremos essas trocas.

Cindy: Seria muito legal continuarmos fazendo coisas juntos, assim espero. O Cama Rosa está pra lançar um disco com as canções, nós temos composições com letras que gravamos no final de 2019. Também está sendo mixado e o lançamento será em breve. Então temos todo esse material de improviso no nosso Bandcamp, mas geralmente quando nos apresentamos, tocamos nossas canções que considero um desdobramento das improvisações, já que muitas bases saíram de lá.

Bruno: Eu sempre brinco com a Anelena e a Carla que a gente tinha que fazer um disco ou um festival com projetos que tem cores no nome, Cama Rosa, Fronte Violeta, Objeto Amarelo… talvez montar tipo uma big band.

“Cama Rosa Gruta” está disponível no Bandcamp.


Entrevista

Maquinas – O Cão de Toda Noite

Em outubro de 2019, o Maquinas lançou uma das melhores surpresas daquele ano. Era o segundo álbum da banda cearense, “O Cão de Toda Noite”. Um álbum para ouvir de novo e de novo, sentindo todas as texturas das músicas com bastante atenção.

A produção do álbum é assinada por Yuri Costa (também responsável pelas guitarras, synths e vocais) e pela própria banda. A gravação, mixagem e coprodução ficou por conta de Felipe Couto, no Quintal Estúdio. Fernando Sanches e Estúdio El Rocha, assinam a masterização.

Dizem que não se pode julgar pela capa, mas é impossível não ser fisgado pela arte do álbum, um detalhe da pintura “Desviando o Olhar” de Bia Leite. Falando nisso, o que não faltam são participações de outros artistas em “O Cão de Toda Noite”.

Sobre isso e muito mais, convidamos Allan Dias (baixo, vocais) para uma belíssima entrevista sobre o novo trabalho da banda. Confira:

Bom, inicialmente, como vai a banda nessa quarentena? Todos bem?

Allan Dias: Estamos indo na medida do possível. Cada um de nós passamos por nossos problemas pessoais que meio que nos impediu de pensar no Maquinas esse tempo todo. Com isso não estamos ensaiando e nem mesmo pensando em fazer lives por enquanto. Não tinha clima para isso.

Agora as coisas estão melhorando e voltamos aos trabalhos. Em breve já iremos anunciar uma música nova e quem sabe um possível show via transmissão de YouTube.

O álbum foi lançado em Outubro de 2019, deu tempo de botar ele na estrada antes da pandemia? Como tem sido a recepção?

Infelizmente não. Foram dois shows de lançamento do álbum no final do ano passado aqui em Fortaleza e, quando estávamos já fechando algumas datas, a pandemia veio e estragou os planos de todo mundo.

A recepção tem sido ótima. Sinto que, além dos fãs cativos da banda desde o início, também chamamos atenção de um público que não ouvia a gente na época do “Lado Turvo” e isso é muito legal.

Mostra que é um álbum que trouxe uma nova forma de fazer a nossa música e que tem uma parcela de pessoas interessadas em ouvir algo diferente e honesto e não apenas um “Lado Turvo 2”, sabe.

Como foi o processo de composição e gravação? A gente percebe que cada música tem toda uma textura, diversos elementos e são músicas longas também (com exceção de “Melindrone”). Como foi juntar tudo isso até dar forma ao álbum?

Algumas composições como “Maus Hábitos”, “Corpo Frágil” e “O Silêncio é Vermelho” estavam nos estágios finais em 2018.

Com a saída do Samuel e a entrada do Yuri ainda no final do mesmo ano, fizemos alguns giros pelo nordeste e no início do ano decidimos focar em fechar estas composições e criar novas até as gravações. Foi um processo bem intensivo onde toda semana estávamos trabalhando nas composições.

Sempre fomos cuidadosos com timbres mesmo, gostamos de explorar bastante o que podemos tirar dos nossos instrumentos.

Com o Yuri a nossa metodologia mudou um pouco e experimentamos bastante as estruturas das canções. Tenta um arranjo ali, não ficou legal, volta, tenta outro. Até achar o ponto em que todos nós ficamos felizes com o resultado.

Nossas músicas são naturalmente longas, mas esse álbum em comparação ao “Lado Turvo” está mais acessível com relação a duração das músicas hein haha!

E sempre pensamos nessas canções como um todo. Não é um álbum conceitual, mas dá pra perceber que exista ali uma linha que conecta todas elas. Uma cadência de ambientações e sensações.

O álbum tem muitas participações de outros músicos né, como aconteceram essas parcerias?

Todos que participaram do álbum são amigos muito próximos e que admiramos demais. Esse álbum tem um pouco de tentar entender o mundo fora de uma mentalidade individualista, um processo de crescimento e compartilhar a vida com o próximo e as consequências positivas e negativas disso.

Não queríamos fazer um álbum com a banda isolada do nosso mundo como foi o “Lado Turvo”, aí lembramos que temos tantos amigos talentosos e que seria muito renovador ter eles do lado.

A Clau Aniz talvez nem precise falar muito sobre. Uma das melhores artistas que surgiu aqui nos últimos anos e vem crescendo bastante na cidade com seus trabalhos.

A Ayla Lemos em breve vai lançar seu projeto junto com o Felipe Couto, da Astronauta Marinho, que se chama “Leves Passos” e vai chamar a atenção do cenário, certeza, pela qualidade do que ouvi.

O Eros Augustus talvez seja um dos melhores tecladistas dessa cidade. Criativo e instigador, um cara que fez as linhas de teclado como se estivesse tirando doce de criança hahaha!

O Breno Baptista é um grande amigo de infância meu e do Robertoz, cineasta talentoso que escreveu uma letra muito intimista e intensa, assim como sempre foi nos trabalhos que ele fez no cinema. E Y.A.O. nos impressionou muito quando vimos o seu projeto ao vivo, o Sila Crvz.
Quando vimos o quanto ele explorava no teremim nós simplesmente não conseguíamos parar de pensar o quanto queríamos contar com ele no nosso álbum.

Então para nós cada participação tem muito de nossa amizade ali embutida.

O que vocês procuraram mudar em relação aos trabalhos anteriores?

Nunca é algo deliberado 100% sobre o que vamos mudar em cada trabalho, mas estamos sempre em uma sintonia de inovar, que parte muito do quanto estamos nos inspirando por coisas novas, seja música, artes em geral e até mesmo a nossa própria vida pessoal.

Então mudar para nós é algo muito natural. Se fôssemos fazer sempre algo próximo do primeiro EP ou do “Lado Turvo”, talvez a banda nem estivesse existindo agora.

O que vocês estavam ouvindo na época para se inspirar?

Lounge Lizards, Beak>, Metá Metá, Patife Band, Cidadão Instigado, Jards Macalé, Artigo Barnabé, Laurel Halo, Autechre.

Além da música, lendo livros de autores como China Mieville, Mark Fisher, Ian McEwan e também filmes do Kielovski, Ken Loach, Ignes Varda e por aí vai.

De onde surgiu o nome “O Cão de Toda Noite”?

Nos inspiramos na ideia do cão que perneira a melancolia do ser como um eterno companheiro.

Estávamos eu e o Gabriel lendo o livro “Cães Negros” e também lendo um pouco da crônica do Churchill fazendo a metáfora do cão negro para a depressão.

Com o tempo achamos que o termo cão negro não era tão interessante assim por dois motivos:
1 – É um termo atrasado e soa um tanto quanto problemático porque não condiz bem essa coisa da cor com a melancolia e a tristeza do ser.
2 – Foda-se o Churchill!

Logo pensamos no cão de toda noite. Aquele que nos visita em nossos sonos pesados, inspirado também na história do cão de Bakersville, mas não como um assassino a espreita, mas uma estigma que carregamos e cada vez mais olhamos pra si e para o cão, essa estigma pesa menos e menos.

É uma reflexão sobre como ficamos frágeis nos momentos em que estamos em nossos cômodos nas horas mais tardias do dia e sobre como estamos refletindo sobre nossas próprias vidas e sobre o mundo.

Pode falar um pouco sobre a capa do álbum?

A capa do álbum é um trecho da obra da Bia Leite, artista de Fortaleza, chamada “Desviando o Olhar”.

Na verdade a arte foi muito inspiradora para nós e meio que foi um dos pontos centrais para pensarmos a ideia do álbum. Gostamos dessa forma de fazer porque dá também uma outra vida e significado pra arte. Deixa tudo mais rico.

A Bia é uma artista talentosa e sempre que podemos falamos do quão importante essa arte foi para a ideia do “O Cão de Toda Noite”.

A banda já tem algum novo projeto em mente?

Nos próximos dias estaremos lançando um cover para a coletânea “Rock Triste Contra o Coronavirus” e vai contar com a participação da Clau Aniz. Não vou dar spoiler de qual música é pois vai estragar a surpresa, mas será no mínimo curioso para muitos a escolha.

Além disso estamos pensando em um álbum de B-sides e Remixes do Cão para um futuro próximo. Com a pandemia não tivemos shows e nem forma de financiar essa ideia, mas creio que em breve estaremos dando novidade sobre este projeto.

São ideias que nos deixaram bastante empolgados com o próximo passo da banda, com certeza, mas acima disso queremos muito poder realizar a enfim turnê de lançamento do “Cão de Toda Noite”.

Passar por regiões que temos fãs de longa data como a região sul e centro oeste além de, claro, poder passar nas cidades que temos muito carinho como Recife, São Paulo e outras que já visitamos.

Espero que também seja o então momento que consigamos entrar nos festivais mais interessantes do país, mas acho que a pandemia vai deixar com que 2021 ainda seja um ano incerto tanto para turnês quanto para festivais… Só o tempo dirá o que vai ser.

“O Cão de Toda Noite” está disponível no Bandcamp, Spotify, Deezer e Youtube.


Resenha

Split Rosa Idiota + Please Come July

Dezembro de 2019, o fim de uma década. Parece que faz muito tempo né? Na verdade, nem é tanto tempo assim, tá logo ali. E o que aconteceu em dezembro daquele ano? Bom, se você gosta de hardcore, deveria saber que foi o mês em que a Bahia e o Rio de Janeiro fizeram conexão no ótimo Split com Rosa Idiota e Please Come July!

Com oito músicas no total, quatro pra cada, o split foi lançado pela High Fidelity Stereo, em parceria com a Tropical Death, Estopim e Eletric Funeral.

Pra quem gosta de detalhes técnicos, aqui vai o primeiro destaque desse álbum: a qualidade do som. Ambas as bandas foram muito bem gravadas, você consegue ouvir cada detalhe do som direitinho. E os responsáveis por essa produção de primeira estão aqui: o lado do Rosa Idiota foi gravado, mixado e masterizado por Dill Pereira no estúdio Ruído Rosa, em Salvador – BA; Já o lado do Please Come July, ficou por conta de Cris, no estúdio La Cueva, Rio de Janeiro – RJ.

Não tem pra onde fugir da influência do hardcore norte americano dos anos 80 e 90 aqui. Quem abre o Split é “Don’t Disappear”, do Rosa Idiota. Seguida de “Behind Bars”, “Aerophobia” e “The Stars Don’t Care About Us”. As músicas são bem coesas, funcionando muito bem juntas. A minha favorita dessa primeira parte é “Aerophobia”, música pra ficar no repeat. O refrão emociona com “Let’s make a deal and start again. I promise you, you promise me. You lose your fear of flying. Then I lose my fear of falling”.

Esse é o terceiro lançamento da banda, sucedendo Somatic (2018) e Circle (2017). A banda formada em 2015, junta veteranos da cena hardcore brasileira em sua formação: Marcelo Adam (vocal, guitarra), Diego Dill (vocal e guitarra), Fabiano Passos (baixo) e Rodrigo Gagliano (bateria).

Com a deixa da primeira parte do álbum, o Please Come July chega e não deixa a desejar. Lembrando o som do Hüsker Dü, a banda entrega “Running”, “Let’s Start Today”, “Inside” e “Figure Out” sem tirar o pé do acelerador. Acho que vale destacar “Let’s Start Today”, com um final que dá aquela vontade de subir no palco e se jogar em cima de desconhecidos (há quanto tempo isso não acontece, hein?). “Let’s start today. This is something. This feels so right. Let’s start today” é pra cantar junto.

Please Come July, assim como o Rosa Idiota, é uma banda relativamente nova. O grupo foi formado em 2016, no Rio de Janeiro e conta com Marcus Menezes (guitarra, voz), Marcelo Pineschi (baixo) e Gabriel Isidoro (baixo). O álbum que antecede o slipt, é o Life’s Puzzle (2016).

A arte do slipt é assinada por Leo Villas e, diga-se de passagem, é uma belíssima arte. Se houver uma lançamento da versão física desse álbum, essa capa com certeza vai ser uma daquelas que dá gosto de ver na estante.

Rosa Idiota + Please Come July está disponível no Spotify, Deezer, Bandcamp, Youtube, Apple Music e Google Play. Como vocês já devem saber: ouçam, compartilhem com amigos, apoiem as bandas independentes e façam seus próprios rolês.


Entrevista

Qorpo – Morte em Pleno Verão

O clima não está nada bom no Brasil e no mundo, especialmente desde o fim do verão de 2020. A vida agora acontece dentro das casas e sob a terrível sombra do vírus que agora varre todo o planeta. Lá fora, só há medo e morte.

Felizmente, mesmo em meio a tudo isso, a criação não parou. As pessoas ainda sentem a inquietação por criar, e dessas criações, surgem registros sobre o tempo em que nos encontramos e o que sentimos. É de uma dessas criações do isolamento que venho falar hoje.

Com vocês: Morte em Pleno Verão.

“Morte em Pleno Verão” é o primeiro álbum do projeto Qorpo, autoria de Victor Rodrigues. Esse é um daqueles lançamentos pelos quais tenho um carinho especial.

Conheci Victor em 2015 quando ambos entramos no curso de Comunicação Social em Brasília e fomos amigos próximos durante os anos da faculdade. Entre muitas conversas que tínhamos, música era um dos temas constantes.

Acompanhei o início do desenvolvimento do que viria a ser o Qorpo, com o crescente interesse pela música experimental e outros temas que influenciariam o projeto.

É por isso que tenho um imenso orgulho de finalmente realizar essa entrevista sobre o “Morte em Pleno Verão”; um álbum sombrio e inquietante que trabalha com o silêncio e o minimalismo, trazendo ares de novidade para a cena artística de Brasília.

O lançamento aconteceu no dia 1 de Maio e foi feito pelo selo brasiliense Dobradiça Enferrujada. Para acompanhar o EP, foi feito um curta dirigido por Xavier Braun, também de Brasília.

Confira a entrevista:

Eu lembro de você já fazendo uns sons nesse projeto Qorpo lá por 2018, se não me engano. Fala um pouco de como foi esse processo de amadurecimento das ideias até chegar no “Morte”.

Pois é, o nome veio antes do projeto realmente tomar forma.  Há alguns anos eu tenho explorado com a música eletrônica mas eu nunca realmente tinha me sentido satisfeito com o resultado, e por isso eu raramente compartilhava o que fazia com alguém, não me sentia confiante pra isso. O “Morte em Pleno Verão” veio de uma decisão tomada no final de 2019: eu decidi que queria fazer um registro conceitualmente consistente, algo que eu me sentisse confiante o suficiente pra compartilhar com alguém. Eu acho que nesse processo o som que eu fazia mudou muito, eu explorei outras direções e instrumentos. Foi um processo bem lento de fazer tudo, ouvir tudo, fazer de novo e repetir. No final de alguns meses eu tinha quase meia hora de música que eu tava confiante pra compartilhar. Foi basicamente isso.

Ouvindo o som é impossível não lembrar de coisas tipo Music For Airports do Brian Eno. Quais foram tuas referências pra esse trabalho?

Eu acho que como influências sonoras mais diretas eu posso citar a compositora francesa Eliane Radigue e o artista japonês Toshimaru Nakamura. Mas ainda assim eu acho que a maior parte das influências pro Morte vieram da literatura. O próprio titulo mostra a influência do conto de mesmo nome de Yukio Mishima. Eu retirei muitos conceitos que explorei no EP de livros que eu estava lendo durante a produção do Morte, eu encontrei um território muito fértil e criativo pra mim em transferir algo vindo da literatura, uma mídia “muda”, e trabalhar as inúmeras possibilidades de representar isso sonoramente.

Saquei, bem massa isso de buscar referências de lugares que não sejam a música né. Já rolou de você achar referências, por exemplo, em sonhos ou outras experiências oníricas assim? Porque o Morte eu achei que tem bem essa cara também.

Pessoalmente algo que me inspirou muito também foi o conceito de memória, como as memórias se apagam e se tornam gradualmente disformes, criando uma desconfiança sobre o que você lembra. É algo que eu sinto com alguma frequência e, pessoalmente, eu consigo enxergar isso na narrativa que pode existir no Morte. Pra mim os minutos finais são os que mais trazem essa meditação sobre persistência das memória. A parte disso, sobre o tom mais meditativo do Morte, foi algo bem intencional mas sem uma fonte de inspiração muito clara pra mim. Acho que foi algo que veio naturalmente e de muitos lugares também.

Sobre a parte mais técnica, fala um pouco da produção em si. Como você chegou naquele som? Quais equipamentos foram usados?

A produção foi bem lenta e bem caseira. Como durante um bom tempo eu não mencionei com ninguém sobre esse projeto, tudo foi feito sozinho. Em questão de equipamentos eu usei uma guitarra, uma pedaleira, com e sem a guitarra, um microfone e um laptop. Eu acho que o som tem na maior parte uma característica bem tonal, algo mais interessado nas frequências criadas do que em melodias e etc. Para mim isso veio através do no-input. É uma técnica normalmente utilizada em consoles de mixagem, aonde você conecta um output desse console de volta em um input. Não existem sons externos acontecendo, só loops de frequência que você pode criar e manipular dentro do equipamento (O Toshimaru Nakamura, que eu mencionei antes é o popularizador dessa parada). Adaptei isso pra pedaleira de guitarra que eu tinha a minha disposição. O som criado nesse processo tem naturalmente essas características mais tonais que eu mencionei, eu só aceitei essas características e tentei trabalhar com elas de uma forma mais minimalista e crua, algo mais puramente voltado as frequências e como dialogar isso com o silêncio, pra criar uma tensão mais dramática.

O Morte foi lançado pelo selo Dobradiça Enferrujada né, como foi sua aproximação com eles?

Antes de eu sequer pensar na existência do Morte eu já havia colado em vários eventos e acompanhados lançamentos promovidos pela Dobradiça Enferrujada Discos. Tanto por um identificação e interesse pessoal com os projetos envolvidos no selo, mas também por achar bem importante apoiar o trabalho que eles fazem em divulgar e estimular um circuito de música nova e experimental no Distrito Federal. O contato com eles veio no momento em que eu comecei a me sentir seguro pra compartilhar o que estava se tornando o EP. Eu compartilhei o som com alguns amigos e isso acabou chegando no Kino Lopes, um notório músico do DF e um dos nomes à frente da Dobradiça. Ele se interessou pelo som, a gente trocou muita ideia sobre, ele acompanhou algumas mudanças que rolaram no Morte. Quando tudo tava terminado, ele me ofereceu essa plataforma pra lançar o projeto e um espaço dentro do selo pra trabalhar minhas pesquisas musicais e exercer isso em conjunto também. Antes do lançamento do Morte ele também me convidou pra participar do álbum “Mais a soma de seus possíveis”, uma coletânea experimental e colaborativa, também lançada pela Dobradiça enferrujada, que conta com 14 músicos do DF.

Rolou também um curta com o Xavier Braun pra acompanhar o álbum né? Você pode falar um pouco dessa parceria?

Claro, o rolê com o Braun veio depois que o EP já estava terminado. A gente tava conversando sobre criar essa obra visual em cima do som também e ambos estávamos meio inseguros por não rolar de gravar na rua, uma vez que estávamos já em distanciamento social. Daí eu dei a ideia de ele gravar no próprio isolamento. Ele se inspirou e criou todo um processo pra essas gravações e pro tratamento das imagens. A gente conversou mais sobre aspectos técnicos e pouco sobre os conceitos a serem trabalhados, essa parte foi bem sobre como ele absorveu o meu som e trabalhou isso internamente. Pessoalmente, eu acho que ele entendeu visualmente coisas que eu tinha colocado ali que nunca falamos a respeito, foi incrível. Por fim se tornou um vídeo de quase meia hora, sobre o Morte em Pleno Verão, imagens de arquivo, isolamento social e os gatos do Xavier. Ele ficou bem feliz com o resultado e eu honestamente fiquei de cara, acho que não podia ser melhor e mais adequado. O Xavier Braun também participou da produção da capa do EP, ele e a artista visual Luna Colazante colaboraram na capa. Ele tirou a foto que foi usada e ela trabalhou na arte e no design da capa.

E os planos futuros?

Até agora não existe nada muito concreto. Existem alguns planos de colaborações com outros artistas da Dobradiça Enferrujada, mas isso não tem um momento certo pra rolar, já que a gente tem que esperar toda essa situação do isolamento social passar. Pessoalmente, eu tenho trabalhado algumas outras paradas, tenho pensado outras abordagens pra sonoridade que eu trabalhei e, para o no-input em si, alguns conceitos que divergem do Morte, focando mais nessa tensão dramática do silêncio. Mas por hora, isso é algo disforme que eu tenho pensado na minha prática pessoal, quero trabalhar isso com mais calma, então não existem planos muito claros ainda.

Por fim, o Morte é um trabalho que acho que dá pra dizer que nasceu sob esse espectro do isolamento que a gente vive. Tem muita coisa sutil ali e essa parada do silêncio. Como você recomendaria que ele fosse ouvido pelas pessoas?

Eu recomendaria ouvir com o uso de fones. Eu acho que muitas qualidades das frequências, tipo as separações e os encontro das mesmas, vão ficar mais claros quando você isolar os sons ao seu redor. Acho que algum nível de atenção é necessário, tem muitos elementos sutis que só vão ser notados com algum nível de atenção e paciência. Acho que a partir daí o som pode te guiar em uma experiência mais meditativa. Ou não também, e não tem problema nisso, essa é a forma que eu gosto de ouvir e a forma que produzi, mas eu acho que a experiência pessoal de qualquer outra pessoa é definitivamente tão válida quanto a minha.

“Morte em Pleno Verão” está disponível no Bandcamp e no Youtube:


Resenha

Pin Ups – Long Time No See

O Pin Ups é quase uma lenda. Aquela banda que a gente escuta e pensa “Como isso não estourou?”. Não existe uma resposta certa pra isso. Mas na história do underground brasileiro, lá estão eles. Desde o primeiro lançamento, “Time Will Burn” de 1990, muita coisa veio e passou, aconteceram diversas mudanças na formação do grupo e eles finalmente entraram em hiato no início dos anos 2000. Eu, pelo menos, não apostaria que o Pin Ups voltaria pra mais um disco. Eles já vinham fazendo alguns shows recentes mas achei que ficaria só nisso, algo como o que rolou com o Ludovic. Porém, com uma belíssima surpresa, eles voltaram. Finalmente.

Homenageando todos os sons que influenciaram a banda e com a participação de diversos amigos convidados, o Pin Ups finalmente está de volta e com um disco feito para ser ouvido bem alto nos fones, sem perder nenhum detalhe. São músicas curtas, mas que expandem muito o leque de variedades do som da banda. Mesmo sendo um disco de retorno, passa longe do gosto de coisa requentada. Aqui o Pin Ups está tão quente quanto na época do “Lee Marvin” (1998).

Eu já quero abrir um parênteses pra deixar claro que sou muito suspeito pra falar dessa banda. Sou bem mais novo que a história do Pin Ups, mas tenho uma paixão enorme pelo trabalho do grupo. Eu quis montar uma banda logo depois de ouvir o “Time Will Burn”. Sabe a sensação de quando a gente tem um estalo ou pancada na cabeça depois de ouvir um determinado disco? Aquela sensação de descobrir algo especial, tipo: “Esse som existe? Aqui??”. Pois é.

Dito isso, qualquer exagero ou afobação minha nessa resenha tem um bom motivo, mas vocês já sabem né: escutem os discos e tirem suas próprias conclusões também. Escrevam suas conclusões, façam algo com elas, por que não?

“Long Time No See” foi lançado em junho de 2019, vinte anos depois do último álbum da banda. O disco saiu pela Midsummer Madness, a casa das guitar bands**, e foi produzido por Adriano Cintra (Ex- CSS) e Zé Antônio Algodal. A mixagem e masterização ficou por conta de Ignácio Sodré. As músicas foram gravadas no Estúdio Aurora, em São Paulo. Quem assina a arte da capa é Laurindo Fernando. A obra é dedicada ao saudoso Kid Vinil, falecido em 2017.

Essa nova reencarnação do Pin Ups traz de volta a Alê Briganti no baixo e vocais; Zé Antônio, único membro original da banda, na guitarra e baixo; Adriano Cintra na guitarra, baixo e farfisa; e Flávio Cavichioli na bateria. E é a bateria do Flávio que nos dá as boas vindas nesse disco.

Com um quê de The Stooges na bateria e no teclado, “You Can Have Anything You Want” abre como primeira faixa. De cara, já chama a atenção os artifícios eletrônicos acompanhando o som. O Pin Ups chegou ao anos 2010. “Tell me now, is this a dream?“, pergunta o refrão. Em dado momento, Zé Antônio entra rasgando com a guitarra para mostrar que não perdeu a mão em todos esses anos. A Amanda Buttler (Ex- Der Baun e atual baixista do Sky Down) aparece aqui para os backing vocals.

“Portraits of Lust”, segunda faixa do álbum, traz um baixo dançante (que até lembra um tanto o som do Fugazi) e a participação de Eliane Testone nos vocais e guitarra. Mesmo esse sendo o álbum mais bem produzido da banda, eles não deixam de lado as distorções e microfonias, o que é ótimo.

“Little Magic” nos primeiros segundos nem parece uma música do Pin Ups começando, sinal da diversidade de influências que compõem “Long Time no See”. Mas os inconfundíveis vocais da Alê Briganti já aparecem cantando “It’s so unbelievable, I guess that’s really special“. Realmente isso é um momento especial, Alê. A faixa conta novamente com Eliane Testone na guitarra.

“Separate Ways” prossegue como a faixa mais Punk do disco até o momento. A faixa trata de separações e o prazer da incerteza. “There is no guarantee, And I am not afraid“, canta Alê.

“Spinning” é o primeiro single do álbum e lembra bastante os sons do álbum “Lee Marvin”, com direito a um solo de violão. Com um vocal bem parecido com os da Kim Deal dos Pixies, Alê declara “You will feel the thrill. Of being young again“. Frase bem significativa para esse retorno da banda.

Quem diria que um dia a gente veria o Pin Ups abrir uma música com tecladinhos anos 60 (fafisa, o nome) como na sexta faixa, “Ballad for Samuel and Tobias”? Mas aqui está e o resultado é muito bonito, lembrando muito os Beatles na fase “Magical Mistery Tour” e “Sgt. Peppers”. Adriano Cintra dá um show nessa e o duo Antiprisma (Victor José e Elisa Oieno) fazem os backing vocals.

Mais participações especiais na animada “Mexican Tale”. Dessa vez, Jim Wilbur do Superchunk contribui nas guitarras e Amanda Buttler volta a participar dos vocais. A faixa lembra muito os últimos álbuns do Pin Ups e é uma das melhores do “Long Time No See”. “Let’s run away to Mexico. Let’s do it before they build the wall“, convida a letra, citando o fetiche norte-americano em construir um muro na fronteira.

“Damn Right” traz mais influências dos anos 60 ao disco. É muito bom ouvir como essas influências caem como uma luva ao Pin Ups, o som é simplesmente redondinho. O “Long Time No See” pode até ter puxado o freio no peso da banda, mas isso não quer dizer nada negativo, muito pelo contrário. O Pin Ups aqui aparece com um som amadurecido, confiante e mais refinado do que em qualquer outro momento. É como um passeio por todas as influências da banda ao longo dos anos, é simplesmente delicioso.

Quer ver outro exemplo disso? É só passar para a próxima faixa, “Gone Tomorrow”. Aqui a gente ouve mais pitadas dos Beatles, banda que o Pin Ups já homenageava lá na época do “Gash” em 1992. Mais uma bela participação do duo Antiprisma. “All those lonely days will be gone tomorrow“, celebra o refrão. De longe, a faixa mais bonita do álbum.

“Crazy”, décima faixa, nos lança em um sonho psicodélico que deixa o som pairando no ar. Cheia de efeitos, tem a maior cara de encerramento de álbum. Mas não é.

A faixa que dá nome ao álbum é a mesma que fecha esse reencontro com Pin Ups. Como se tivesse saído direto do “Souvlaki” do Slowdive ou o “Loveless” do My Blood Valentine, a guitarra de Zé Antônio soa belíssima aqui. “After all those years you still got me here“, canta Alê finalizando o álbum. É um lindo reencontro.

Long Time No See está disponível no Bandcamp, Spotify, Deezer, Youtube e Google Play.

**As guitar bands que citei ali em cima, são as bandas independentes brasileiras que apareceram na primeira metade dos anos 1990 com letras em inglês e um som inspirado no som alternativo que começava a ganhar a atenção do mainstream no exterior. Para quem quiser saber mais, recomendo assistir o documentário Time Will Burn (2018), que está disponível online, e ouvir o catálogo de bandas da Midsummer Madness.

Observação: nosso amigo Lucas, que também escreve pro Bus Ride Notes, foi quem cedeu os arquivos pra banda colocar nas redes de stream. Antes de anunciarem os shows de retorno da banda o Zé Antônio entrou em contato com o selo/blog Share This Breath, pois ele só tinha os discos de vinil da banda e não foi possível converter em arquivos de boa qualidade, e o Share This Breath tinha todos eles.